Il gruppo chiamato “The Ten American Painters” è stato fondato nel 1898 da dieci artisti americani che contribuiranno a fare conoscere e apprezzare la lezione impressionista europea. Il gruppo è stato creato da Childe Hassam, John Twachtman e Julian Weir e comprendeva Edmund Tarbell, Frank Benson, Joseph De Camp, Thomas Dewing, Edward Simmons, Robert Reid e, non ultimo, Willard Metcalf. Dopo la morte di Twachtman subentrò William Chase che si unirà al gruppo nel 1902. Per quasi vent’anni, per l’esattezza fino al 1917, i dieci si scambiarono le proprie esperienze arricchendo esposizioni di grande interesse. Willard Metcalf apparteneva alla Boston School, ma fra questi artisti era l’unico che era stato anche uno dei pittori che avevano lavorato a fianco di Monet nel 1877 a Giverny in Francia. Childe Hassam convinse Metcalf a raggiungere Gloucester nell’estate del 1895. Gloucester, nel Massachusetts, quaranta miglia a nord di Boston, durante gli ultimi anni del secolo era divenuto un attraente rifugio per artisti e un  popolare luogo di ritrovo per cittadini vacanzieri. Per la verità, benché l’artista avesse fatto esperienza con Monet non si orientò all’impressionismo fino a questa data, perché era più interessato a rappresentare scorci e architetture del New England. Tuttavia, le opere che completò durante la sua visita a Gloucester nel 1895 riflettono un mutamento significativo del suo stile pittorico. Nel suggestivo porto marittimo Metcalf realizza almeno sei dipinti. “Summer Day, Gloucester, Massachusetts” mette in evidenza l’enfasi della luce tipicamente impressionista, unitamente ad una pennellata veloce, per riprodurre tra il fogliame e gli alberi le imbarcazioni che veleggiano costeggiando la lingua di terra del lungomare all’orizzonte. Metcalf lavora all’aria aperta, una scelta ricambiata dal consenso dei suoi ammiratori, poiché i paesaggi di Gloucester, esposti nella mostra del 1896 della Society of American Artists, gli faranno ottenere l’ambito premio Webb.

Fin dalla sua giovane età Kitty (Cristina) Lange Kielland è stata consapevole del suo talento in pittura, ma non poteva intraprendere veri studi a causa dei pregiudizi maschilisti, i cui atteggiamenti conservatori ostacolavano le donne ad intraprendere professionalmente la strada dell’arte. Kitty si accorge di essere portata verso la pittura di paesaggio; anche perché il tema è già diffuso nella sensibilità femminile tant’è che i quadri riguardanti questo genere pittorico sono acquistati quasi esclusivamente per gli ambienti riservati alle donne. Si reca a Karlsruhe, nel 1873, dove inizia la sua educazione artistica, prendendo lezioni private con il professore Hans Gude (1825-1903), dal quale riceve un forte orientamento realista sul quale si fonderà tutta la sua carriera. Nel 1875 si trasferisce a Monaco di Baviera, dove si unisce al gruppo locale di artisti norvegesi. Qui dipinge paesaggi ampi e spazzati dal vento, cieli cupi e torbiere scure, specchi d’acqua stagnanti e ruscelli. Kitty si ispira agli scenari della sua Norvegia, che continua a visitare nei periodi di riposo. La sua attività la porta a Parigi, nel 1879, influenzata dal lavoro del paesaggista Léon Pelouse (1838-1891), grazie al quale i lavori di questo periodo divengono più leggeri e romantici. Così appare “Summer Night”, opera di tranquilla riflessione, con una quinta di colline verdeggianti che circondano acque ricolme di piante galleggianti, splendenti sotto la luce del primo pomeriggio. Più che impressionista, tutta la pittura di Kielland è intrisa di un convinto realismo, che avrà grande influenza per le arti che nei successivi anni si svilupperanno in Norvegia, soprattutto quelle espletate dalle donne che troveranno in Kitty un esempio di emancipazione da emulare.

Louis Buvelot è un pittore svizzero, che le vicende della sua vita portarono in giro per il mondo: a Parigi, a Bahia in Brasile e poi a Rio de Janeiro, di nuovo in Svizzera a La Chaux-de-Fonds e infine a Melbourne nel 1864. Qui aprì una attività come fotografo, ma durò appena un anno, perché la sua passione era la pittura e riprese a coltivarla, ma con maggiore fortuna. Dal 1866 al 1882 espose paesaggi a Melbourne e suscitò subito l’attenzione del pubblico e della stampa; fra questi il critico Argus considerato il suo “scopritore” e James Smith curatore della National Gallery of Victoria. Il museo acquistò nel 1869 due delle sue opere, imponendo il nome Buvelot come il principale paesaggista della colonia, con ricadute sugli anni a seguire, poiché i suoi seguaci ne trasporranno gli orientamenti nell’importante della scuola di Heidelberg.

Di questo quadro oggi fanno ristampe, biglietti augurali, borse e copriletti, quanto di più commerciale si può immaginare. La stessa sorte toccata agli impressionisti europei si ripercuote anche sugli autori che nel Novecento hanno voluto seguire in ogni parte del mondo l’insegnamento a guardare il contorno ambientale attraverso spontanee impressioni. Nato a Terranova, Maurice Cullen è cresciuto e ha avviato la propria formazione artistica a Montreal, in Québec. Tuttavia, come molti altri contemporanei, trascorre gli anni giovanili a Parigi, dove apprende la tecnica veloce e fulminea ammirando in presenza le opere dei grandi maestri impressionisti. Ma non si limita a guardare, giacché le sue sperimentazioni sono presentate, nel corso di questa sua prima carriera pittorica, nelle esposizioni della capitale francese. Torna quindi in Canada, cosicché tra l’estate e l’inverno del 1896 dipinge a Beaupré, vicino a Quebec City, insieme a William Brymner e James Wilson Morrice. È proprio con questi artisti che Cullen è riconosciuto dalla critica come uno dei massimi sostenitori e propugnatori dell’arte impressionista in Nord America. Le sue composizioni rendono in modo eccellente la suggestione di tutti gli effetti luminosi e atmosferici dei pittori europei. L’Impressionismo di Cullen emerge anche in questo particolare dipinto tutto giocato sulle differenti tonalità dei verdi, salvo un minuscolo rivolo d’acqua, manifestando in modo evidente che a Beaupré il suo lavoro è stato probabilmente condotto in larga misura “en plein air”, all’aria aperta, piuttosto che nel chiuso del proprio atelier.

La Grenouillère era un rinomato stabilimento in cui i parigini potevano rinfrescarsi nei pomeriggi di calura estiva, per intrattenersi fino a tarda sera. Era ubicato sull’isolotto di Croissy, una piccola lingua di terra insulare nel bel mezzo della Senna, che ne divideva il flusso in due rami distinti. In estate, alcuni vi facevano il bagno, altri remavano in barca o godevano della frescura del parco. Altri ancora s’incontravano per trascorrere in compagnia delle belle serate chiassose e divertenti. Il toponimo «Grenouillère», letteralmente significa «stagno delle rane». Per dipingere questo luogo alla moda, Renoir e Monet nel 1869 piantano a Bougival, proprio dinanzi allo stabilimento, i propri cavalletti e si sfidano amichevolmente a cogliere “en plein air” l’atmosfera del luogo, restituendo con pennellate fulminee – come potrebbe fare una macchina fotografica – impressioni soggettive di ciò che ciascuno di loro vede. Il clima di questo dipinto è impregnato di “joie de vivre”, perché la vita moderna che gli impressionisti hanno deciso di descrivere non è soltanto quella delle stazioni ferroviarie, dei viali commerciali, dei negozi, dei ponti metallici che attraversano la Senna. Nello specifico, Renoir vuole raffigurare il movimento delle persone, quei “tipi parigini” di cui parlava Manet, attraverso il movimento dei segni diffusi nell’ambiente costituito da elementi impalpabili come lo sciabordio delle barche, il riflesso della luce sull’acqua, i bagliori che filtrano tra gli alberi, l’aria piena di sonorità che la tela può solo fare immaginare.

La scena è immersa in un’atmosfera onirica che, né più né meno di altre opere del pittore, grande influenza avrà nella cultura artistica tra fine Ottocento ed inizio Novecento, a cominciare dal surrealismo e dal novecentismo. Rappresenta adolescenti che si bagnano sulle rive di un fiume o giocano a rincorrersi. Atmosfera onirica, perché la distesa di verde fiorito (quasi un richiamo a giardini fantastici raffigurati in affreschi medievali), il percorso fluviale di una definizione innaturale, gli alberi che ricordano gli alti cipressi del suo quadro più famoso come “L’isola dei morti”, tutto il contesto, appaiono immobili e silenziosamente irreali come comparirebbero in un sogno. Anche qui le figure dei ragazzi, nella loro nudità, si stagliano nel loro biancore come la figura di spalle, avvolta in un manto biancastro che veglia un feretro da trasferire in barca nel cimitero dell’isola dei morti. La pittura di Böcklin, infatti, è intrinsecamente legata all’arte fantastica di fine secolo, pur distaccandosi dal decadente simbolismo francese. Nell’artista contano molto le vicende personali che hanno forgiato il suo carattere introspettivo. Nonostante tutto in questa rappresentazione restituisce le peculiarità del romanticismo tedesco, alla ricerca del carattere inquietante dei luoghi, atemporali, ambigui, immaginari, perché non è facile comprendere dove finisca il sogno e inizi la realtà.