Sabrina Poli, lo Sguardo Diagonale
SANTAFRIKA a Torino

A cura di Marcella Pralormo

L’esposizione, a cura di Marcella Pralormo, presenta la mostra itinerante Santafrika, attraverso un nuovo taglio curatoriale dove le fotografie di Sabrina Poli raccontano la bellezza, la libertà e l’autenticità del processo creativo, nello spazio di 515 Creative Shop.

Dal 3 al 26 maggio 2023

515 Creative Shop, Via Giuseppe Mazzini 40, Torino

Dopo la tappa in Kenya al Blue Empire Cottage, le fotografie di SantAfrika tornano in Italia a Torino nella settimana dedicata alla fotografia.
Dal 3 al 26 maggio 2023 negli spazi di 515 Creative Shop di Torino sarà ospitata la mostra fotografica SantAfrika ideata da Sant’Era, con le fotografie di Sabrina Poli, e sotto la curatela di Marcella Pralormo, storica dell’arte, già Direttrice della Pinacoteca Agnelli di Torino e ideatrice del progetto curatoriale Arte, Benessere e Colori.

SantAfrika si presenta al pubblico attraverso questo nuovo e innovativo taglio curatoriale che vede al centro il rapporto tra Arte e Benessere, dove si legge una celebrazione della libertà e una visione di bellezza spontanea e inconsueta. Le fotografie di Sabrina Poli rappresentano donne keniote, che indossano abiti senza tempo di stilisti nordici provenienti dalla collezione di Sant’Era. Scatti che raccontano la libertà di chi ha posato, donne normali, che di solito lavorano in un albergo o in un ristorante, che lo sguardo di Sabrina Poli che, in collaborazione con Sant’era, le trasforma in donne padrone di sé stesse e del proprio corpo.

L’artista-fotografa ci racconta, attraverso l’arte, la sua esperienza di vita anche dolorosa e conduce lo spettatore in un viaggio intimo e personale dove l’arte rappresenta una vera e propria cura sia per l’artista che la crea che per lo stesso spettatore che la osserva. Nel suo testo la curatrice scrive: “Come una contemporanea Frida Kahlo, Sabrina mostra a noi oggi come da una ferita fisica e psicologica possa nascere l’arte”. Una ferita che si è trasformata in pura bellezza, la stessa bellezza che ritroviamo negli scatti della mostra.

Proseguendo, la curatrice osserva che: “Sabrina ha uno sguardo ‘diagonale’, riprende le modelle dal basso verso l’alto attraverso una traiettoria inclinata che esprime la ferita di un lungo percorso di cura che l’ha segnata profondamente e ancora oggi influenza il suo modo di vestirsi e di portarsi nel mondo. Il suo corpo ha bisogno di libertà. E la libertà e la bellezza sono il tema di questa mostra […] Sabrina si rivolge d’istinto alla tecnica del ritratto di profilo perché la visione di una sola parte del volto le permette di sintetizzare la forma senza soffermarsi sull’indagine psicologica che non le interessa. L’artista vuole rappresentare quella solennità ancestrale che percepiamo immediatamente quando guardiamo queste donne dalla bellezza antica. Il genere del ritratto di profilo risale infatti all’antichità classica: gli Egizi e i Greci lo utilizzavano per conferire regalità e solennità alle figure ritratti con la tecnica del bassorilievo e nelle pitture”.

L’esposizione è un racconto di armonia sulla libertà del corpo attraverso le immagini del reef lunare del mattino quando il mare è lontano dalla riva, di donne che si vestono come non hanno mai avuto occasione di fare. I colori che prevalgono in SantAfrika sono il Bianco della luce e il Nero dei corpi, simbolo del maschile e del femminile, dello Yin e lo Yang, ossia due opposti che si attraggono e si completano. In alcuni scatti compare il Rosso, il colore della terra e del radicamento. Questi sono i colori del continente africano che rappresentano la luce, la terra e le persone. All’interno dell’esposizione sarà inoltre presente un percorso audio dedicato al benessere e ai colori a cura di Marcella Pralormo; la curatrice condurrà inoltre delle meditazioni come momento di benessere per i visitatori.

Questo nuovo modo di vivere e sperimentare l’arte si ricollega anche alla scelta dello spazio, per nulla casuale: 515 Creative Shop non è una galleria tradizionale ma è un luogo dove diverse arti, visive, performative e ludiche, dialogano tra di loro; proprio questa trasversalità si abbina all’idea che sta dietro l’esposizione. 

SABRINA POLI

Sabrina Poli, art director e visual designer, lavora nella comunicazione crossmediale. Formatasi presso l’Accademia di Belle Arti di Ravenna e l’Università del Progetto a Reggio Emilia, si dedica da sempre all’arte, design e alla fotografia.

Durante la formazione, master UDP, sviluppa progetti fotografici col maestro Luigi Ghirri, il progetto “Poesie Terapeutiche” con lo scrittore Ermanno Cavazzoni. In seguito collabora a progetti di design con lo studio di architettura Stefano Giovannoni a Milano. Progetta per diversi brand di moda, design e cosmetica tra cui Diego dalla Palma, Fendi Casa e Accademia Bizantina Orchestra.

MARCELLA PRALORMO

Marcella Pralormo ha diretto per vent’anni la Pinacoteca Agnelli di Torino. Si occupa di Progetti su Arte, benessere e salute. È una storica dell’arte, curatrice, esperta di tecniche artistiche e di storia dei colori e creativa. Lavora con l’arte e con la creatività come fonte di benessere per le persone attraverso progetti e percorsi privati nelle opere d’arte e negli studi degli artisti e attraverso workshop di acquerello e di creatività in natura. Marcella è autrice, insieme a Monica Tomiato, del libro “L’acquerello in Piemonte dall’800 a oggi”, edito da Daniela Piazza Editore.

SANT’ERA

Sant’era muove i primi passi nel mondo della moda e del beauty negli anni Ottanta, collaborando con aziende leader nel settore cosmetico per capelli. Si trasferisce a Roma, dove lavora con grandi maestri tra cui John Santilli art director di Vidal Sasson: esperienza fondamentale per apprendere le basi e le geometrie del taglio, l’anatomia, il trucco, lo styling.È punto di riferimento per il mondo cinematografico e quello dello spettacolo. Negli anni Novanta apre il suo primo spazio nasce così Sant’era, a Cesenatico: un ambiente pieno di energia che ospita mostre d’arte, presentazioni di prodotti, eventi per clienti, ospita inoltre amici e chiunque voglia avvicinarsi al suo mondo.

515 CREATIVE SHOP

515 Creative Shop è uno studio creativo che sviluppa idee in maniera trasversale in diversi ambiti e settori. Da sempre un laboratorio di ricerca con una grande attenzione per il mondo dell’arte.

VAI COL VENTO!

Mostra Collettiva
A cura di Pippo Cosenza e Andreina De Tomassi

Inaugurazione 7 maggio 2023 ore 17.00

Galleria Elettra

Corso Garibaldi, 101 – Fossombrone (PU)

Fino al 29 maggio 2023

Il giorno 7 maggio 2023 alle ore 17.00 inaugura nella nuova Galleria d’arte Elettra, nel centro di Fossombrone (PU), la mostra collettiva Vai col vento! a cura di Pippo Cosenza e Andreina De Tomassi, accompagnata da un contributo di Andrea Baffoni e una ricognizione de “Il Vento nell’Arte”di Elvio Moretti. Il progetto si avvale del patrocinio della provincia di Pesaro Urbino e del Comune di Fossombrone. 

“Buon Vento!” si dice ai velisti e ai ciclisti, messaggio augurale per volare felici nel vento. Quel turbinio invisibile, pulviscolo imprendibile, come lo è spesso la creazione artistica, quell’ànemos, animo, soffio divino che genera la vita. È questa la sfida: raffigurare il dio Eolo, con qualsiasi tecnica, che sia vento di libertà o di rivolta, folle come lo Scirocco, gelido come la Tramontana, brezza marina o tempesta. Uno scultore e ventisei artiste e artisti, tra le Marche e l’Umbria, che hanno accettato la sfida, espongono le loro opere: il primo, all’ingresso ovest di Fossombrone, a Via Pergamino, i secondi, presso la Galleria Elettra, sotto i portici di Corso Garibaldi. È un omaggio al glorioso Giro d’Italia che volerà lungo la Flaminia forsempronese il 13 maggio, unica tappa marchigiana. Proprio il 13 maggio quando, nel 1909, partiva il primo Giro italiano.

L’opera scultorea di Antonio Sorace, alta più di tre metri, che sarà posta all’entrata ovest di Fossombrone, simbolo e memoria cittadina dell’evento ciclistico, è un’enorme ruota che gira col vento. Per la collettiva, tante sono le creazioni, come mille sono le immagini che si accavallano del vento nell’arte. Dai disegni di Leonardo ai Zefiro e Aura di Botticelli, da Tintoretto a Van Gogh, il mantello vibrante di Napoleone per David, i paesaggi modellati dal vento di Corot e Monet, le tempeste tumultuose dei Romantici, le gonne delle parigine rialzate dal vento malizioso della Belle Epoque, i mulinelli polverosi e campestri dei Macchiaioli, le onde delle spighe piegate, i panni stesi al vento, e su, su, fino al vortice dei Futuristi, le aereopoesie, l’areopittura, a perdifiato verso il domani… e poi la fotografia, il cinema, i video, inseguendo sempre il buon vento, quello del cambiamento, quello che ci porterà fortuna.

“Ma si può dare forma a qualcosa che forma non ha? Una risposta arriva appunto da Vai col vento!, dove le opere prendono le mosse dalle dinamiche naturali con rimandi espressivi riferiti al senso interno della forma e dello spazio. Ma il vento è pensiero trasformante capace di levigare le coscienze proprio come le montagne. Scavate, plasmate e modellate fino a renderle monumentali desideri alla nostra brama di scalarle. E allora inevitabilmente l’immaginazione degli artisti si focalizza su elementi astratti dove l’idea del vento è materializzata come energia ondulante e intersecante, ma con essi non viene meno l’immaginario cosmico e non è un caso che sia così. Il vento stellare, troviamo, e come non ricordare che nel 1931 il Futurismo aeropittorico diventava “cosmico” grazie a Enrico Prampolini, aprendo la strada al processo trasformativo del conseguente Spazialismo di Lucio Fontana. Dunque il vento come energia plasmante dal quale non sono esenti le figure: volti, corpi, talvolta ciclisti veri e propri, incanalati nel flusso atmosferico dove la velocità è sinonimo di modificazione temporale dello spazio. E infine la ruota, il disco, il roteare di forme primarie che intercettano movimenti universali. La ruota che è centro propulsivo di un turbinio aereo, ma che diventa scudo nel grande intervento pubblico tributato da Antonio Sorace in apertura dell’intera manifestazione. Un simbolo di difesa, un’espressione della tenacia con cui oggi l’arte è portata avanti dagli spiriti creativi, spesso nell’indifferenza delle istituzioni, nella distrazione dei media, in totale autonomia e nell’amara constatazione che sì: l’artista è solo a scalare gli aspri tornanti che serpeggiano le salite della cultura. Ma è questo il destino dei pionieri, taccuino in mano o pedali ai piedi, sudando il peso di una testimonianza che diviene monito per il futuro e vento dell’immaginazione per permetterci ancora di sognare.” (Dal testo “Il vento dell’immaginazione di Andrea Baffoni)

All’interno del progetto è prevista la conferenza “Il Vento nell’Arte”di Elvio Moretti.

Artisti: Niccolò Amadori, Angela Balducci, Lauretta Barcaroli, Pietra Barrasso, Angelisa Bertoloni, Lamberto Caravita, Ornella Cosenza, Pippo Cosenza, Leonarda Faggi, Vera Garofalo, Valfrido Gazzetti, Arnhild Kart, Antonia Leonardi, Emilio Leonardi, Giuliano Mammoli, Donatella Marinucci, Luigi Marzo, Salvatore Monaco, Carlo Paci, Simonetta Panzironi, Cecilia Piersigilli, Achille Quadrini, Andrea Silicati, Antonio Sorace, Cinzia Soverchia, Maria Virseda

Extra: Saro Di Bartolo

Alla Villa Reale di Monza arriva dal 29 aprile I LOVE LEGO,
la mostra sui mattoncini colorati più famosi al mondo.
Un’esperienza imperdibile per i tanti bambini appassionati, per le famiglie e per i
tantissimi adulti che continuano a coltivare l’amore per i mattoncini che, ogni anno,
intrattengono e fanno sognare milioni di persone.

Dal 29 aprile la Villa Reale di Monza ospiterà I LOVE LEGO, una mostra pensata per tutti quei bambini, adulti e appassionati degli iconici mattoncini, per sognare e vivere momenti unici all’insegna del gioco e del divertimento. Tra spettacolari e coloratissimi diorami, creazioni artistiche e fantastiche prospettive, fino al 16 settembre 2023 nel Belvedere della Reggia sarà possibile divertirsi all’interno di scenari minuziosamente riprodotti e ambienti realizzati in decine di metri quadrati con oltre mezzo milione dei mattoncini più famosi del mondo.

I LOVE LEGO presenta in scala ridotta dettagliatissime riproduzioni di scenari immaginari: dai castelli ispirati alle epiche battaglie medievali a scene della seconda guerra mondiale; dalla frenesia della città contemporanea coi suoi grattacieli, centro storico, aree ricreative e stazioni ferroviarie agli scorci delle vie del centro storico di tipici villaggi bavaresi; dalla conquista dello spazio, alla suggestiva riproduzione di un paesaggio natalizio estroso e pieno di sorprese.

“Questa mostra – spiega il Sindaco Paolo Pilotto, Presidente del Consorzio Villa Reale e Parco di Monza – si rivolge in particolare alle famiglie, con un’attenzione non secondaria a moltissimi appassionati, giovani e adulti, fornendo un’occasione particolare per visitare un bene storico che per i bambini può risultare così anche più interessante e accessibile. Oltre al fascino del ‘gioco di costruzioni’, per tutti i visitatori le forme artistiche e tecniche riprodotte con i famosi “mattoncini” rappresentano una possibilità di esperienza creativa e di conoscenza.”

“È una lezione che all’estero hanno appreso prima di noi – specifica l’Assessora alla Cultura, Villa Reale e Parco Arianna Bettin – si pensi ad esempio al Miniaturmuseum di Amburgo e a come esso contribuisca alla valorizzazione e al turismo della Speicherstadt.”

A rendere unica l’esposizione e a legare e valorizzare il territorio brianteo, in mostra un’incredibile installazione site specific che omaggia la città e prodotta dal 63enne monzese Marco Montrasio. A primeggiare sarà infatti l’ambiziosissimo progetto che riproduce in scala l’intera Villa Reale di Monza, un capolavoro dell’architettura neoclassica completo di fronte, ali laterali e corte centrale d’onore, per un totale di 60 mila mattoncini, due metri di lunghezza e un metro e 80 cm di profondità.

Costruzioni e non solo. Attraverso una “caccia al personaggio” – tra grattacieli e palazzi, tra astronavi e cavalieri – il visitatore è invitato a cercare personaggi celebri (e non) nascosti all’interno delle installazioni: da Harry Potter a Dart Fener, diversi gli ospiti a sorpresa inseriti nelle divere installazioni che accompagnano nella visita tutti coloro che vogliono divertirsi a scovare tra i mattoncini.

A dimostrare quanto i moduli più famosi del mondo siano in grado di “creare arte a 360°”, in mostra al Belvedere della Reggia immancabili saranno anche le tele di Stefano Bolcato, rivisitazioni in versione ‘omini LEGO’ delle più grandi e famose tele e capolavori della storia dell’arte, dalla Gioconda ai più attuali quadri di Frida Kahlo; ma anche le vignette/installazioni comiche del collettivo LEGOlize – autori nel 2016 dell’omonima pagina umoristica che oggi conta oltre 2 milioni di followers sui social – dove la comicità diventa arte.

La mostra I LOVE LEGO, col patrocinio del Comune di Monza, è promossa dal Consorzio Reggia di Monza ed è prodotta e organizzata da Piuma e Arthemisia.

La mostra non è direttamente sponsorizzata da LEGO ma realizzata grazie ad alcuni dei più grandi collezionisti del mondo.

I DIORAMI

WINTER VILLAGE
Questo villaggio invernale, realizzato nel 2018 con circa 62.000 pezzi, è il risultato di un lavoro di studio e costruzione durato 5 anni. Il paesaggio e gli edifici in questo diorama non si trovano in commercio ma sono stati creati partendo dalla mia immaginazione, progettato al cad e raccogliendo i singoli pezzi in tutto il mondo. L’ispirazione principale è passione per la montagna, la neve e la magia del Natale. Molti particolari o edifici sono stati ispirati alla realtà e a momenti legati all’infanzia del costruttore. Il villaggio è stato pensato con l’idea di creare dei “moduli” agganciabili tra loro, permettendo così di farlo crescere anno dopo anno. In questo modo si è riuscito a render- lo sempre più ricco di edifici, scene e dettagli che ricreino l’incantevole atmosfera natalizia di un villaggio invernale di montagna. Oggi il villaggio è composto da 42 moduli e 230 personaggi, molti dei quali insoliti o famosi che non c’entrano nulla con un villaggio natalizio ma che contribuiscono ad arricchirlo e a renderlo unico!

GRANDE DIORAMA CITY
Il Grande Diorama City del 2022, coi suoi circa 160.000 pezzi, è la massima espressione del tema cittadino rappresentato da costruzioni uniche e irripetibili, realizzate interamente con mattoncini originali e utilizzando sia tecniche di costruzione tradizionali sia tecniche anticonvenzionali. I costruttori progettano e realizzano indipendentemente le loro opere usando ispirazioni e stili diversi, utilizzando schizzi, disegni tecnici ma anche software di progettazione assistito dedicati ai mattoncini Lego. La collezione di queste creazioni viene arricchita costantemente da nuove opere composte da migliaia di mattoncini e ricche di particolari. L’assetto urbano viene definito usando software CAD più convenzionali; si delineano così i quartieri del centro storico, i moderni grattacieli, la stazione e le tratte ferroviarie, zone verdi e aree ricreative. Tra le opere esposte spicca il Museo di Scienze Naturali con la sua architettura ottocentesca che racchiude le più importanti specie del mondo animale; divertitevi a trovare le divertenti e paradossali scenette rappresentate al suo interno.

OPERAZIONE NAKAM
Questo spettacolare diorama del 2017 ricostruisce, attraverso circa 160.000 pezzi, lo scenario di un avvenimento storico avvenuto nel 1945 in Friuli (regione del Nord Italia). Rappresenta la rivincita della brigata antinazista che in quel periodo cercava giustizia nelle terre di tutto il paese. La cura dei dettagli e la passione con la quale è stato realizzato sono il punto di forza di questa opera che non conosce precedenti.

DIORAMA CLASSIC SPACE
Ideato e progettato nel 2019 da uno dei più grandi collezionisti al mondo di set e pezzi originali della serie anni ’80 Lego® Classic Space il grande diorama “Spazio” riproduce, con circa 50.000 pezzi, un insediamento minerario lunare. In questo futuristico scenario l’uomo si avvale dell’aiuto di astronavi, droidi e macchinari per la ricerca di nuove risorse. La sua realizzazione è in continuo divenire in quanto di volta in volta si arricchisce di nuovi elementi unici e irripetibili creati dal costruttore che trae ispirazione oltre che dalla serie originale anche dalle più importanti saghe di fantascienza cinematografiche.

VILLAGGIO TIROLESE
Questo diorama del 2017 è la riproduzione un villaggio Tirolese in circa 90.000 pezzi, nessun paese in particolare ma si ispira all’atmosfera unica che si respira nelle vie di quei luoghi di montagna. Alcuni edifici sono parziali riproduzioni di edifici realmente esistenti delle zone dell’Alto Adige (regione del Nord Italia). Progettato senza l’ausilio di strumenti CAD ha richiesto 2 anni di per la sua realizzazione per via della difficolta del reperimento dei pezzi e per il vero e proprio impegno nella costruzione.

GRANDE DIORAMA CASTELLO
Il grande diorama castello nasce nel 2021 dalla voglia di ricreare i famigerati scenari del medioevo. Il diorama è soggetto a numerosi cambiamenti nel corso degli anni e si evolve di anno in anno con l’aggiunta di nuove zone e costruzioni. Qui, coi suoi circa 250.000 pezzi, riproduce i laghi le foreste attraversate dai cavalieri, il castello del re della casata del Leone d’Oro e i sentieri che attraversano la foresta. Oltre la foresta, dove risiedono pericolosi fuorilegge, si erge l’imponente castello dei Falconi Neri, costruito su una montagna e fortificato da alte mura e torrioni. Al suo interno la sontuosa sala dove il re incontra i visitatori. A contorno di questi fantastici scenari si sviluppano le fattorie dove i contadini lavorano instancabili.

GRANDE SCALO MERCI
Treni, vagoni, binari, magazzini, tutto insieme a formare un gigantesco scalo merci degno dei più accurati plastici ferroviari! Realizzato nel 2023 e composto da 15.000 pezzi, il tutto è impreziosito dalla grande stazione centrale che regola il traffico dei passeggeri e dei convogli. Ricco di dettagli riporta fedelmente le attività quotidiane di carico e scarico delle merci in transito; immaginate le manovre di movimentazione dei convogli e dei singoli vagoni attraverso l’intricato circuito ricco di scambi e binari morti.

LE ENERGIE DELLA PERSIA

a cura di Eleonora Frattarolo

con la partecipazione di Roya Khadjavi

Opere di Majid Bita, Tooraj Khamenehzadeh, Sima Shafti, Amir Sharifpour, Sepideh Salehi e Kamran Taherimoghaddam

THE ROOOM, via Galliera 8, Bologna

04 maggio – 31 maggio 2023

Inaugurazione 04 maggio h 19

Rsvp press@therooom.it

La mostra d’arte contemporanea LE ENERGIE DELLA PERSIA, a cura di Eleonora Frattarolo, con la partecipazione di Roya Khadjavi, verrà inaugurata il 4 Maggio 2023 alle ore 19, nello spazio di THE ROOOM, studio di comunicazione per la sostenibilità, che ha sede a Bologna nello storico palazzo Montanari Aldrovandi in via Galliera 8. Ancora una volta, con questa mostra, THE ROOOM afferma l’importanza nevralgica della creatività nello sviluppo di una cultura condivisa, che spinge, sostiene e sprona la formazione di una coscienza civile attenta alla protezione dei beni comuni, alle emergenze ecologiche, alle diseguaglianze economiche, alla parità di genere e alla difesa dei diritti umani.

LE ENERGIE DELLA PERSIA implica la convinzione che la cultura sia il più potente strumento di semina e produzione di consapevolezza sociale e di forza trainante del cambiamento.

Protagonisti dell’esposizione sono gli artisti iraniani Majid Bita, Tooraj Khamenehzadeh, Sima Shafti, Amir Sharifpour, Sepideh Salehi e Kamran Taherimoghaddam, che con linguaggi diversi vivono la drammatica attuale situazione del proprio Paese certi che per comprendere il presente occorra conoscere il passato, certi che l’immaginazione e l’arte siano strumenti più potenti dei cannoni per conquistare libertà di pensiero e parità tra esseri umani.

THE ROOOM, concept studio con sede nell’affascinante cornice di Palazzo Aldrovandi Montanari, offre servizi di comunicazione alle imprese sui temi legati alla sostenibilità, all’innovazione, alla creatività e alla responsabilità sociale. THE ROOOM è anche uno spazio di contaminazione tra sfere economiche e creative che prende vita attraverso una programmazione di iniziative multidisciplinari ed eventi che ispirano nuove idee e generano consapevolezza sulle tematiche ambientali, economiche e sociali.

Imagina Café
Rio Terà Canal, 3126 – Venezia

Rossella Tramet
Fils Rouges

A cura di Nicolas Fiedler

06.05 – 02.06.2023

Opening 06.05.2023
ore 18:00

Come la pittura la fotografia. Venezia invisibile e le
corrispondenze, nella messa a fuoco di Rossella Tramet

Sabato 6 maggio alle 18.00 inaugura all’Imagina cafè di Venezia la mostra di fotografie ‘Fils Rouges’. Si tratta della prima personale di Rossella Tramet, avvocato atipico per sua stessa definizione, giunta alla fotografia in seguito allo studio della pittura all’Università Ca’ Foscari, che ha scelto per l’esposizione questo Cafè Wine Bar & Art Gallery giovane e informale ubicato ai piedi del Ponte dei Pugni, fra Campo S. Margherita e Campo S. Barnaba, nella vivacissima Zona universitaria cittadina.

Traslando il motto Ut pictura poesis che informava nel Rinascimento il paragone tra arte e letteratura, l’autrice vuol far apparire le sue foto come se fossero quadri di poesia muta.
Il titolo dell’esposizione rinvia alle due anime ed interpretazioni che ne sono all’origine: il filo conduttore dell’artista concepito come zona rossa emozionale resa in immagini con prevalente colore rosso, quello del curatore Nicolas Fiedler che ha valorizzato le opere di messa a fuoco di particolari del paesaggio che sembrano quasi pittura astratta.

Il denominatore comune e sullo sfondo resta Venezia, Città visibile nel primo caso, invisibile nel secondo, amata e generatrice di immaginazione. “In un’atmosfera in cui la bellezza impone le regole della percezione, l’autrice mette in scena i diversi scenari proiettati come strumento di annotazione mentale, con un occhio in connessione tra esistenzialismo e surrealismo. Fils Rouges è una manifestazione di sinergia visiva tra una donna e una città in cui elementi della stessa e dei siti esterni vengono trasformati in riflessi astratti di quanto la città ha sottilmente indotto. È una dichiarazione d’amore per Venezia ma al contempo un modo razionale e ludico di contemplare il mondo. “I Fils rouges, sono la connessione che ci guida da un’opera all’altra stimolando una riflessione sul nostro io interiore e sulla sua rappresentazione nel mondo esterno”.

Le immagini sono connotate da uno stile pittorico che conferisce importanza alla luce e ai colori, e dalla ricorrente presenza di linee ed elementi geometrici.

Si tratta di un virtuoso connubio tra foto e dipinto che suscita meraviglia, passando da un folto banco di pesci in canale a Venezia durante la pandemia come fossero gameti, a rosse tubazioni di una cantina del Valdobbiadene come si trattasse di arterie che irrorano di sangue il corpus urbis, da fili della luce paralleli con la luna al centro come in un pentagramma lunare, all’Emisferico di Calatrava che riflettendosi sull’acqua pare l’occhio della mente o l’origine del mondo, alla Courbet.

C’è nelle opere della Tramet la compresenza di rigore formale e mistero metafisico: le linee parallele, come i 4 elementi, simboleggiano la vita, il tempo, l’altrove, i fili del destino cui siamo tutti legati e sospesi, come nell’immagine di locandina della mostra.

“È anche una storia che riflette l’importanza di prendersi cura di ciò che è sacro, dentro e fuori – continua il curatore Nicolas Fiedler -rispettare sé stessi e il luogo a cui si appartiene”.

‘Emotional Fluctuations’

Milano, Tube Culture Hall

Piazza XXV Aprile
04 – 12 maggio 2023

La mostra è curata da Maria Myasnikova, Erica Massaccesi e Vittoria Martinotti (del curatorial team di ReA Arte) in collaborazione con l’exhibition designer Andrea Isola e Tube Culture Hall.

Gli artisti selezionati, tra cui anche alcuni partecipanti alle tre edizioni di ReA! Art Fair, indagano nei propri lavori le tematiche di instabilità emotiva, dissociazione e volontaria distorsione della realtà.

‘Emotional Fluctuations’ inaugura mercoledì 3 maggio presso Tube Culture Hall, con una preview dedicata alla stampa alle ore 11.00, preview dedicata ai collezionisti alle ore 17 ed un vernissage su invito dalle 18.00 alle 21.00.

L’Associazione ReA! Arte presenta al pubblico ‘Emotional Fluctuations’, esposizione che vede la presenza di sei artisti selezionati tra i partecipanti alle tre edizioni di ReA! Art Fair. La mostra è curata da Maria Myasnikova, Erica Massaccesi e Vittoria Martinotti – parte del curatorial team di ReA Arte – e viene ospitata presso gli spazi di Tube Culture Hall. L’allestimento della mostra è stato curato dall’exhibition designer Andrea Isola.

I lavori selezionati esplorano la tematica dell’instabilità emotiva, della dissociazione e della volontaria distorsione della realtà attraverso vari medium, tra cui pittura, scultura, video e installazione. Gli artisti coinvolti presentano delle opere che, consciamente o inconsciamente, proiettano l’osservatore in un mondo grottesco, ambiguo e dove il forte dualismo connette insieme verità e immaginazione.

Il senso di smarrimento e la dissociazione vengono celati spesso dietro immagini ed elementi accattivanti o allucinatori, proponendo una visione alterata e fantastica del presente. Attraverso i lavori esposti, la mostra vuole proporre una differente definizione di futuro, partendo dalla decostruzione del reale e riflettendo sulla nostra percezione della realtà.

‘Emotional Fluctuations’ inaugura mercoledì 3 maggio presso Tube Culture Hall, Piazza XXV Aprile a Milano, con una preview dedicata alla stampa alle ore 11.00, preview dedicata ai collezionisti alle ore 17.00 ed un vernissage su invito dalle 18.00 alle 21.00. La mostra prosegue fino al 12 maggio 2023.

Artisti:

Thomas Antonelli, Cristina Lavosi, Edvige Cecconi Meloni, Francesco Pacelli, Alice Pilusi, Davide Quartucci.

L’Associazione ReA Arte

L’Associazione no profit ReA Arte nasce nel 2020 su iniziativa di un gruppo di giovani professioniste under 35 impegnate nel settore dell’arte. Pur con background differenti – dalla formazione curatoriale alla comunicazione culturale al fundraising – le organizzatrici si raccolgono intorno a uno scopo comune: promuovere l’arte e la cultura attraverso il sostegno di artisti emergenti, garantendo loro accessibilità al settore ed eque opportunità. A questo obiettivo si aggiunge quello di avvicinare il pubblico a un mercato dell’arte inclusivo e trasparente.

Intorno a questa mission nasce ReA! Art Fair, arrivata nel 2023 alla quarta edizione. A questa si affianca il dipartimento di formazione ReA! Education & Consulting che propone workshop e servizi di consulenza dedicati agli artisti emergenti e agli operatori di settore con l’obiettivo di trasmettere competenze specifiche per presentarsi e lavorare nel mercato dell’arte contemporanea, in modo strategico ed efficiente.

Andrea Isola

Exhibition designer di origine sarda, laureato in Architettura al Politecnico di Torino, scopre il mondo dell’arte grazie alle prime esperienze lavorative in team fieristici e in un’azienda di allestimenti che gli permette di conoscere al meglio il settore: i materiali utilizzati, i loro prezzi e i passaggi per la fase di produzione. Nasce così l’esigenza di creare un connubio tra la sua preparazione professionale e la passione per il mondo dell’exhibition design. Dal 2018 Andrea diventa quindi freelance e inizia numerose collaborazioni con musei, fondazioni, fiere, gallerie e artisti indipendenti in Italia e in Europa. Alla ricerca di maggiore scambio e dialogo tra i professionisti del settore, nel 2019 su instagram inizia ad utilizzare l’hashtag #appuntidiunexhibitdesigner per condividere riflessioni e analisi dettagliate su tutti gli aspetti di un allestimento.