PITTORI DI CARTA.

In Italia, fumetti e illustrazioni non godono di grande importanza. Le tavole realizzate per libri, pubblicità e manifesti, hanno una valutazione molto bassa. Per la loro essenzialità le si considera opera di artisti minori. I fumetti, poi, sarebbero un passatempo di non grande rilevanza e sempre di una levatura mediocre. All’estero, invece, gli illustratori sono oggetto di forte attenzione, tanto che, negli Stati Uniti, le loro opere sono considerate icone della modernità americana. Lo ha detto anche Virginia M. Mecklenburg, curatrice dello Smithsonian American Art Museum, di Washington, riferendosi ai disegni di Normann Rockwell. Le composizioni dei maestri – come Windsor McCay (per Little Nemo) o Alex Raymond (per Flash Gordon) – hanno ottenuto quotazioni definibili “serie”. I disegni di Rockwell per le copertine del settimanale “Saturday Evening Post”, sono stati valutati ben 15,4 milioni di dollari.

Ma non basta. Molti sono i musei nel mondo che espongono illustrazioni, e non da poco. Tra questi troviamo il Louvre di Parigi, il Victoria and Albert Museum di Londra, o lo State Russian Museum di San Pietroburgo, e molti altri. In Italia, viceversa, vi era un unico museo che esponeva questa arte così particolare. Si trovava a Ferrara. Si fondava sull’attività fattiva della curatrice Paola Pallottino e, come consulente onorario, si poteva contare su Ernst Gombrich. Com’è finita? Ha chiuso dopo pochi anni, per mancanza di fondi. Evidentemente, non è stato considerato di alto valore culturale, tanto da avere riconosciuto un sostegno pubblico.

Eppure non mancano i grandi illustratori italiani, come, ad esempio, Bruno Angoletta, Antonio Rubino, Sergio Tofano, Giuseppe Porcheddu e Aleardo Terzi, che godono tutti di molta considerazione fuori d’Italia. Ad esempio, Fortunino Matania fu chiamato a Londra per comporre illustrazioni sule riviste “Graphic”, “The Illustrated London News”, ma anche “The Sphere”. In una situazione leggermente migliore si trovano, invece, i nostri fumettisti. Rientrano nella “letteratura d’Arte”, probabilmente perché al disegno sono abbinati testi spesso da non sottovalutare. Tra i grandissimi: Hugo Pratt, Guido Crepax, Milo Manara, Andrea Pazienza e Roberto Raviola (Magnus).

PITTORI DI CARTA.

Vorremmo spezzare una lancia a favore dei fumettisti e degli illustratori, attività oggi sottovalutata. In queste pagine conosceremo molti pittori che anziché la tela utilizzano la carta, scoprendo che la loro abilità creativa non va penalizzata, ma anzi premiata, quando, espressa da grandi artisti, produce bellezza, sempre così importante e necessaria per elevare lo spirito.

Breve storia del disegno

Sin dai primordi, cioè dall’età delle caverne, l’uomo ha tracciato linee per rappresentare qualcosa. È la nascita del disegno. Pur essendo apparentemente semplice, il suo principio è quasi impossibile a definirsi, sia sul piano teorico che pratico. A ben considerare, la stessa scrittura è una forma di disegno, anche se la finalità è diversa. La scrittura rappresenta infatti concetti o parole, nonostante ciò gli ideogrammi cinesi venivano tracciati con il medesimo strumento dell’artista: il pennello. È una forma d’arte che si tramanda tuttora.

Genericamente, il disegno parte da un individuo mosso da un mondo interiore e dal suo immaginario, in una estrinsecazione figurativa. Essendo rappresentativo, il disegno è un mezzo linguistico, quindi, una forma di comunicazione. Ogni civiltà ha posseduto il proprio stile di disegno. Quasi tutte le opere artistiche (nella pittura, come nella scultura o nell’architettura) partono da un primo schizzo. Di grande valore anche quest’ultimo.

Nel Seicento, il disegno era considerato come “il fondamento dell’arte”. Come tale, non era una libera espressione, ma partiva dalla conoscenza di altre discipline, quali la geometria, la prospettiva, lo studio della luce, lo studio dei colori, ma anche l’anatomia e l’architettura. Nello stesso secolo, iniziano le raccolte di disegni di grandi artisti. Se all’inizio prevaleva la “linea di contorno”, col tempo, si preferì il colore, l’effetto pittorico. Dopo il comporre “disegnativo” nacque dunque il comporre “coloristico”.

Con l’arrivo del realismo prevale, definitivamente, il colore, ma emerge anche la luce. Questo perché disegno e pittura diventano una libera espressione del mondo interiore dell’artista, il suo punto di vista delle cose, la sua personalità. Tuttavia, contemporaneamente alla rivoluzione espressiva, negli ultimi due secoli, il valore del disegno è andato svalutandosi sempre più. Ma questo non ovunque. Ci torneremo sopra venerdì prossimo.