Il gruppo chiamato “The Ten American Painters” è stato fondato nel 1898 da dieci artisti americani che contribuiranno a fare conoscere e apprezzare la lezione impressionista europea. Il gruppo è stato creato da Childe Hassam, John Twachtman e Julian Weir e comprendeva Edmund Tarbell, Frank Benson, Joseph De Camp, Thomas Dewing, Edward Simmons, Robert Reid e, non ultimo, Willard Metcalf. Dopo la morte di Twachtman subentrò William Chase che si unirà al gruppo nel 1902. Per quasi vent’anni, per l’esattezza fino al 1917, i dieci si scambiarono le proprie esperienze arricchendo esposizioni di grande interesse. Willard Metcalf apparteneva alla Boston School, ma fra questi artisti era l’unico che era stato anche uno dei pittori che avevano lavorato a fianco di Monet nel 1877 a Giverny in Francia. Childe Hassam convinse Metcalf a raggiungere Gloucester nell’estate del 1895. Gloucester, nel Massachusetts, quaranta miglia a nord di Boston, durante gli ultimi anni del secolo era divenuto un attraente rifugio per artisti e un  popolare luogo di ritrovo per cittadini vacanzieri. Per la verità, benché l’artista avesse fatto esperienza con Monet non si orientò all’impressionismo fino a questa data, perché era più interessato a rappresentare scorci e architetture del New England. Tuttavia, le opere che completò durante la sua visita a Gloucester nel 1895 riflettono un mutamento significativo del suo stile pittorico. Nel suggestivo porto marittimo Metcalf realizza almeno sei dipinti. “Summer Day, Gloucester, Massachusetts” mette in evidenza l’enfasi della luce tipicamente impressionista, unitamente ad una pennellata veloce, per riprodurre tra il fogliame e gli alberi le imbarcazioni che veleggiano costeggiando la lingua di terra del lungomare all’orizzonte. Metcalf lavora all’aria aperta, una scelta ricambiata dal consenso dei suoi ammiratori, poiché i paesaggi di Gloucester, esposti nella mostra del 1896 della Society of American Artists, gli faranno ottenere l’ambito premio Webb.

Fin dalla sua giovane età Kitty (Cristina) Lange Kielland è stata consapevole del suo talento in pittura, ma non poteva intraprendere veri studi a causa dei pregiudizi maschilisti, i cui atteggiamenti conservatori ostacolavano le donne ad intraprendere professionalmente la strada dell’arte. Kitty si accorge di essere portata verso la pittura di paesaggio; anche perché il tema è già diffuso nella sensibilità femminile tant’è che i quadri riguardanti questo genere pittorico sono acquistati quasi esclusivamente per gli ambienti riservati alle donne. Si reca a Karlsruhe, nel 1873, dove inizia la sua educazione artistica, prendendo lezioni private con il professore Hans Gude (1825-1903), dal quale riceve un forte orientamento realista sul quale si fonderà tutta la sua carriera. Nel 1875 si trasferisce a Monaco di Baviera, dove si unisce al gruppo locale di artisti norvegesi. Qui dipinge paesaggi ampi e spazzati dal vento, cieli cupi e torbiere scure, specchi d’acqua stagnanti e ruscelli. Kitty si ispira agli scenari della sua Norvegia, che continua a visitare nei periodi di riposo. La sua attività la porta a Parigi, nel 1879, influenzata dal lavoro del paesaggista Léon Pelouse (1838-1891), grazie al quale i lavori di questo periodo divengono più leggeri e romantici. Così appare “Summer Night”, opera di tranquilla riflessione, con una quinta di colline verdeggianti che circondano acque ricolme di piante galleggianti, splendenti sotto la luce del primo pomeriggio. Più che impressionista, tutta la pittura di Kielland è intrisa di un convinto realismo, che avrà grande influenza per le arti che nei successivi anni si svilupperanno in Norvegia, soprattutto quelle espletate dalle donne che troveranno in Kitty un esempio di emancipazione da emulare.

Louis Buvelot è un pittore svizzero, che le vicende della sua vita portarono in giro per il mondo: a Parigi, a Bahia in Brasile e poi a Rio de Janeiro, di nuovo in Svizzera a La Chaux-de-Fonds e infine a Melbourne nel 1864. Qui aprì una attività come fotografo, ma durò appena un anno, perché la sua passione era la pittura e riprese a coltivarla, ma con maggiore fortuna. Dal 1866 al 1882 espose paesaggi a Melbourne e suscitò subito l’attenzione del pubblico e della stampa; fra questi il critico Argus considerato il suo “scopritore” e James Smith curatore della National Gallery of Victoria. Il museo acquistò nel 1869 due delle sue opere, imponendo il nome Buvelot come il principale paesaggista della colonia, con ricadute sugli anni a seguire, poiché i suoi seguaci ne trasporranno gli orientamenti nell’importante della scuola di Heidelberg.

Di questo quadro oggi fanno ristampe, biglietti augurali, borse e copriletti, quanto di più commerciale si può immaginare. La stessa sorte toccata agli impressionisti europei si ripercuote anche sugli autori che nel Novecento hanno voluto seguire in ogni parte del mondo l’insegnamento a guardare il contorno ambientale attraverso spontanee impressioni. Nato a Terranova, Maurice Cullen è cresciuto e ha avviato la propria formazione artistica a Montreal, in Québec. Tuttavia, come molti altri contemporanei, trascorre gli anni giovanili a Parigi, dove apprende la tecnica veloce e fulminea ammirando in presenza le opere dei grandi maestri impressionisti. Ma non si limita a guardare, giacché le sue sperimentazioni sono presentate, nel corso di questa sua prima carriera pittorica, nelle esposizioni della capitale francese. Torna quindi in Canada, cosicché tra l’estate e l’inverno del 1896 dipinge a Beaupré, vicino a Quebec City, insieme a William Brymner e James Wilson Morrice. È proprio con questi artisti che Cullen è riconosciuto dalla critica come uno dei massimi sostenitori e propugnatori dell’arte impressionista in Nord America. Le sue composizioni rendono in modo eccellente la suggestione di tutti gli effetti luminosi e atmosferici dei pittori europei. L’Impressionismo di Cullen emerge anche in questo particolare dipinto tutto giocato sulle differenti tonalità dei verdi, salvo un minuscolo rivolo d’acqua, manifestando in modo evidente che a Beaupré il suo lavoro è stato probabilmente condotto in larga misura “en plein air”, all’aria aperta, piuttosto che nel chiuso del proprio atelier.

La Grenouillère era un rinomato stabilimento in cui i parigini potevano rinfrescarsi nei pomeriggi di calura estiva, per intrattenersi fino a tarda sera. Era ubicato sull’isolotto di Croissy, una piccola lingua di terra insulare nel bel mezzo della Senna, che ne divideva il flusso in due rami distinti. In estate, alcuni vi facevano il bagno, altri remavano in barca o godevano della frescura del parco. Altri ancora s’incontravano per trascorrere in compagnia delle belle serate chiassose e divertenti. Il toponimo «Grenouillère», letteralmente significa «stagno delle rane». Per dipingere questo luogo alla moda, Renoir e Monet nel 1869 piantano a Bougival, proprio dinanzi allo stabilimento, i propri cavalletti e si sfidano amichevolmente a cogliere “en plein air” l’atmosfera del luogo, restituendo con pennellate fulminee – come potrebbe fare una macchina fotografica – impressioni soggettive di ciò che ciascuno di loro vede. Il clima di questo dipinto è impregnato di “joie de vivre”, perché la vita moderna che gli impressionisti hanno deciso di descrivere non è soltanto quella delle stazioni ferroviarie, dei viali commerciali, dei negozi, dei ponti metallici che attraversano la Senna. Nello specifico, Renoir vuole raffigurare il movimento delle persone, quei “tipi parigini” di cui parlava Manet, attraverso il movimento dei segni diffusi nell’ambiente costituito da elementi impalpabili come lo sciabordio delle barche, il riflesso della luce sull’acqua, i bagliori che filtrano tra gli alberi, l’aria piena di sonorità che la tela può solo fare immaginare.

La scena è immersa in un’atmosfera onirica che, né più né meno di altre opere del pittore, grande influenza avrà nella cultura artistica tra fine Ottocento ed inizio Novecento, a cominciare dal surrealismo e dal novecentismo. Rappresenta adolescenti che si bagnano sulle rive di un fiume o giocano a rincorrersi. Atmosfera onirica, perché la distesa di verde fiorito (quasi un richiamo a giardini fantastici raffigurati in affreschi medievali), il percorso fluviale di una definizione innaturale, gli alberi che ricordano gli alti cipressi del suo quadro più famoso come “L’isola dei morti”, tutto il contesto, appaiono immobili e silenziosamente irreali come comparirebbero in un sogno. Anche qui le figure dei ragazzi, nella loro nudità, si stagliano nel loro biancore come la figura di spalle, avvolta in un manto biancastro che veglia un feretro da trasferire in barca nel cimitero dell’isola dei morti. La pittura di Böcklin, infatti, è intrinsecamente legata all’arte fantastica di fine secolo, pur distaccandosi dal decadente simbolismo francese. Nell’artista contano molto le vicende personali che hanno forgiato il suo carattere introspettivo. Nonostante tutto in questa rappresentazione restituisce le peculiarità del romanticismo tedesco, alla ricerca del carattere inquietante dei luoghi, atemporali, ambigui, immaginari, perché non è facile comprendere dove finisca il sogno e inizi la realtà.

«La brillante estate del 1874 – è scritto sulla scheda del museo online berlinese che conserva il dipinto di Monet – può essere considerata un programma dell’impressionismo». Proprio così, poiché tra aprile e maggio del 1874, per la prima volta Monet e i suoi amici pittori esponevano le opere rifiutate dal “Salon” ufficiale in una mostra autonoma allestita nelle sale appartenenti al fotografo Nadar sul Boulevard des Capucines a Parigi. Una nota sarcastica del critico Luigi Leroy sul quotidiano “Le Charivari” del 25 aprile 1874 proprio in relazione al quadro di Monet “Impression, soleil levant” (impressione, sole nascente) del 1872 (Musée Marmottan, Parigi), marchiò il gruppo di artisti con il soprannome di “Impressionisti”. Mai termine dispregiativo fu così veritiero e fortunato, dal momento che questi artisti erano intenzionati a catturare l’aspetto emozionale della realtà che si prospettava ai propri occhi.Era nato ufficialmente un movimento pittorico che contrassegnerà la nuova arte di fine secolo. Monet con gli amici trascorse varie estati ad Argenteuil sulla Senna catturando la luce brillante e la sensazione atmosferica. In quest’opera raffigura la moglie Camille, suo figlio Jean e una terza persona che l’accompagna. Il dipinto è stato presentato in mostra alla seconda esposizione di pittura di quella che sarà chiamata “Société anonyme des artistes peintres, sculpteurs, graveurs, ecc”, tenuta a Parigi nella Galleria Duran-Ruel ad aprile del 1876. Lo scrittore Emile Zola nella sua recensione entusiasta ne ha esaltato il particolare pregio artistico.

“My Summer Studio” è uno dei dipinti realizzati negli ultimi anni della vita di John Henry Twachtman. Riguarda un’estate a Gloucester, nel Massachusetts. In contrasto con i colori tenui e tonalisti, l’artista utilizza un’ampia gamma di colori intensi e smaglianti, chiazze calde di arancione e giallo contrapposte a toni più freschi e acquosi di blu e viola. La prospezione compositiva non mira ad una piatta mimesi paesaggistica, ma all’esplosione astratta del colore che in questo contesto assume una nuova lettura dell’ambiente roccioso che circonda lo studio dell’artista che si vede ergersi sul promontorio. In My Summer Studio, Twachtman ha realizzato una straordinaria sintesi tra pittura impressionista e nuove tendenze, richiamandosi in modo eccezionale a quello che è stato il percorso della propria vita d’artista, dalle prime esperienze a Monaco, agli studi sugli effetti ottici, ai colori vivaci del post-impressionismo e alle composizioni innovative in corso di sperimentazione in quegli anni di rinnovamento artistico. John Henry Twachtman morì improvvisamente a Gloucester l’8 agosto 1902. L’anno successivo gli omaggi di Thomas Dewing, Childe Hassam, Robert Reid, Edward Simmons e J. Alden Weir comparvero su North American Review.

Childe Hassam in “The South Ledges, Appledore” adotta (nel 1913) lo stile europeo per eccellenza. Come John Twachtman, Thomas e Maria Oakey Dewing, William Merritt Chase, insieme ad altri pittori, tra cui Theodore Robinson, Mary Cassatt, Robert Reid, Maurice Prendergast e Daniel Garber, anche Childe Hassam sperimenta composizioni caratterizzate da pennellate veloci ispirate all’Impressionismo d’oltre Oceano. L’impressionismo americano, infatti, prende consistenza alla fine del 1880 allorché una generazione di artisti americani, che hanno studiato in Europa, è attratto dalla tavolozza coloristica e dalle composizioni che avevano trasformato la cultura pittorica francese. Childe Hassam trascorre molte estati ad Appledore Island al largo della costa del Maine. Ogni anno, una cerchia di musicisti, scrittori e altri artisti, si riuniva in una sorta di circolo culturale informale a casa della comune amica, la poetessa Celia Thaxter. Sulle spiagge rocciose del luogo assolato, Hassam dipinge la medesima scena vista in altre composizioni dell’ultimo trentennio: una donna ben vestita protegge il suo volto dal sole con un cappello di paglia e ammira le onde frangersi sulla scogliera. Una atmosfera leggera che evoca le giornate tranquille che precedono di appena un anno la Grande Guerra europea e l’impegno americano a fianco degli alleati.

William Merritt Chase è noto per il suo impegno a far conoscere e a diffondere la corrente Impressionista anche in America, soprattutto istituendo nel 1891 una scuola estiva per la pittura all’aperto a Shinnecock Hills, nei pressi del villaggio di Southampton, nella parte sud-orientale di Long Island. In tale scuola mise in luce le sue doti di insegnante attento a cogliere i particolari del contesto sotto la luce solare della sua terra. “Summer at Shinnecock Hills” è tra le prime rappresentazioni sperimentate. Come dimostrerà anche in altre opere, il suo interesse è attratto dalla raffigurazione di donne e bambini, generalmente in abiti bianchi risplendenti al sole, con leggere variazioni di rosa (come il cappellino in figura) o di rosso, immersi nell’erba mossa dal vento. La veduta è sempre lineare, quasi una tavola d’erba giallognola (che segue l’andamento appena sinuoso del terreno) non ostruita da alberi, macchiata dal verde dei cespugli e dalla lingua d’acqua del lago. Un paesaggio usuale, che fornirà a Chase l’ispirazione che di estate in estate si rinnoverà nelle sue varianti prospettiche.