A ciascuno il suo giorno
La mostra di Marco Angelini ispirata all’azienda Longo negli anni del boom economico.
Una collezione inedita per indagare il legame fra tecnologia analogica e digitale, rendendo omaggio alla produzione dell’azienda bolognese che fu un’eccellenza nel mondo.
Concept e organizzazione di Ascanio Balbo di Vinadio
A cura di Raffaella Salato
Con il patrocinio di Comune di Bologna

13 ottobre 2022 – 12 febbraio 2023
Museo del Patrimonio Industriale
Via della Beverara 123, Bologna

www.museibologna.it/patrimonioindustriale

Dal 13 ottobre 2022 al 12 febbraio 2023 gli spazi della fornace ottocentesca del Museo del Patrimonio Industriale di Bologna ospitanola mostra A ciascuno il suo giorno che porta al pubblico l’eredità della Longo S.p.A., una delle aziende che hanno fatto la storia dell’industria in Italia negli anni del boom economico e che dagli anni ’30 fino agli anni ’70 del secolo scorso sono state un’eccellenza nel mondo.

L’esposizione, organizzata da Ascanio Balbo di Vinadio, collezionista e nipote di Giorgio Longo, (Treviso, 3 luglio 1909 – Bologna, 30 Maggio 1973), ultimo presidente della Longo S.p.A., si sviluppa in un duplice registro, artistico e storico, dal momento che presenta, da un lato, la serie di quadri realizzati appositamente per la mostra da Marco Angelini e, dall’altro, le foto e i documenti d’epoca, compiendo un percorso inedito nella storia della fabbrica, che per decenni ha prodotto e distribuito cancelleria, inchiostri e materiale per l’ufficio in Italia.
Vengono esposte, così, opere che rileggono la storia e la filosofia dell’azienda Longo S.p.A., dandone un’interpretazione personale con l’uso all’interno delle opere di prodotti originali della fabbrica di cancelleria. Allo stesso tempo il percorso espositivo si snoda attraverso testimonianze storiche che ci riportano ai tempi in cui l’azienda consolidava il suo ruolo nel panorama dell’industria nazionale e internazionale, un caso esemplare di quanto fosse vitale e di successo lo slancio produttivo dell’Italia a cavallo e dopo il secondo conflitto mondiale.
«Questo progetto è un viaggio alla riscoperta di un legame insolito – spiega Ascanio Balbo di Vinadio, – quello fra industria e arte che è alla base del mecenatismo migliore in Italia; allo stesso tempo raccontiamo la storia di un uomo, Giorgio Longo, mio nonno, e della sua azienda, dal momento che proprio lui è stato una figura di grande rilievo in entrambi i campi».

Le opere d’arte inedite di Marco Angelini
La mostra espone 14 tele di diversi formati, a tecnica mista, grazie all’utilizzo di prodotti originali di cancelleria della Longo S.p.A., realizzati tra gli anni ’30 e gli anni ’70, in cui l’artista ne ripercorre idealmente la vicenda e la filosofia.
«L’artista – spiega la curatrice Raffaella Salato nel suo testo critico alla mostra – sceglie gli oggetti anche per il peculiare rapporto che essi hanno con il tempo, inteso come un costante divenire. In questa ricerca è evidente il ruolo primario giocato dalla memoria, che è capace di catturare e tramandare le “tracce di passato” affinché divengano testimonianza tangibile di ciò che è stato, anche a beneficio delle generazioni future».
Gomme da cancellare, incluse quelle esagonali per eliminare i tratti di penna, pastelli a cera, cuscinetti di inchiostro per timbri, righelli e squadre, la carta-carbone che serviva a replicare in più copie i documenti sono al centro delle opere di Angelini e raccontano di un cambiamento epocale delle abitudini che ha investito la nostra società in tempi rapidissimi e che ha visto il digitale prendere il posto dell’analogico.
Il titolo della mostra A ciascuno il suo giorno sottolinea l’importanza dell’arte nel dare valore alla memoria, nel rileggere la storia per attribuirle significato, per consegnarla e renderla percepibile alle nuove generazioni, nonostante lo scorrere del tempo.

Analogico vs digitale, va in scena la storia dell’industria
A ciascuno il suo giorno svolge un racconto per immagini di un’epoca recente ma che sembra lontanissima nel tempo,perché fatta di oggetti che la rapida evoluzione tecnologica ha reso presto obsoleti.
La mostra consegna al pubblico un racconto che non è solo la testimonianza storica degli anni della ripresa industriale del secondo dopoguerra e del boom economico in Italia ma che è soprattutto una narrazione emozionale di un mondo ancora oggi carico di fascino, in cui la scrittura e la creatività passavano per il gesto della mano, un mondo che con l’accelerazione tecnologica, l’introduzione del computer e del web è stato consegnato all’oblio.
Il luogo scelto per la mostra è unmuseo simbolo della storia industriale del territorio: il Museo del Patrimonio Industriale di Bologna. Un posto unico, non solo per la collezione e l’archivio che conserva ma anche perché comprende gli spazi espositivi dell’antica fornace Galotti, una struttura di archeologia industriale della seconda metà dell’Ottocento, mantenuta in perfetto stato.
In accompagnamento alla mostra è prevista la pubblicazione di un catalogo con la riproduzione di tutte le opere esposte, un testo critico di Raffaella Salato e un ricordo di Giorgio Longo a firma di Lorenzo Sassoli de Bianchi.

Marco Angelini

Marco Angelini
Nato a Roma nel 1971 e laureato in Sociologia, si interessa di fenomeni urbani, culture e subculture metropolitane.
La sua ricerca espressiva è dominata dalla materia. A volte i materiali diventano la superficie pittorica al posto della tela, altre volte diversi oggetti, spesso di riciclo, entrano a far parte dell’opera. Affronta diverse tematiche di ricerca: natura e tecnologia, tempo e memoria, dialogo interreligioso e dimensione del “sacro”, arte e scienza, energia e sostenibilità.
Dal 2006 a oggi ha realizzato, diverse mostre personali a Roma, Milano, Varsavia, Cracovia, Londra, Bratislava, Algeri, Santiago del Cile e partecipato a collettive presso spazi pubblici e gallerie private a New York, Washington DC, Tel Aviv, Abu Dhabi, Varsavia, Zamość, Stettino, Monaco di Baviera, Essen, Londra, Bruxelles, Roma, Lucca.
Le opere di Marco Angelini fanno parte di diverse collezioni private tra cui quella della Fondazione Roma. Vive e lavora tra Roma e Varsavia.

marcoangelini.it

SEMINARIO MUSEIMPRESA 2022
Storie d’impresa, energie di futuro

13 – 14 ottobre | Venezia

Museimpresa, l’Associazione Italiana Archivi e Musei d’Impresa – nata nel 2001 per iniziativa di Assolombarda e Confindustria – quest’anno ha scelto Venezia per mettere a punto nuove, condivise strategie per valorizzare gli importantissimi patrimoni custoditi nei musei e negli archivi aziendali, rivolgendosi ad un più vasto pubblico grazie anche all’avvio di una stretta collaborazione con i Musei Civici di Venezia.
Gli oltre 120 musei e archivi associati, straordinari veicoli di sintesi tra storia e innovazione, documentano e raccontano quanto le imprese italiane hanno fatto e continuano a fare per la crescita economica, sociale, civile del Paese.
La due giorni veneziana avrà come focus “Storie d’impresa, energie di futuro” e si svolgerà il 13 e 14 ottobre, al Correr e in altre sedi cittadine.
“La scelta di Venezia e del Veneto per questa assise non è casuale”. A dichiararlo è Mariacristina Gribaudi, Presidente dei Musei Civici di Venezia. Per la quale “il riconoscimento da parte di Confindustria dei territori di Padova – Rovigo – Treviso – Venezia, come “Capitali della Cultura d’Impresa” è giunto a suggellare le esperienze di un Veneto in cui i protagonisti sono i territori, i luoghi, le produzioni, le persone, la cultura, la storia e i numerosi “distretti” industriali locali. In questo contesto ricco di riferimenti, grazie anche all’avvio di una collaborazione con i Musei Civici di Venezia, musei e archivi associati a Museimpresa avranno modo di incontrarsi e confrontarsi sui temi della cultura d’impresa e dell’importanza di promuovere progetti e collaborazioni durature tra reti museali civiche e musei e archivi aziendali”.
Ad introdurre i lavori sarà, con Mariacristina Gribaudi, Presidente dei Musei Civici di Venezia, il Presidente di Museimpresa, Antonio Calabrò.
“Viviamo momenti drammatici, di crisi e incertezza, tra venti di guerra, shock energetici, inflazione e recessione, con pesanti ricadute su sicurezza, lavoro, redditi e prospettive di sviluppo. Le imprese stanno ridiscutendo, sotto stress, progetti di investimento e relazioni commerciali” dichiara Antonio Calabrò, Presidente di Museimpresa. “Ma proprio in un contesto così difficile, è necessario rafforzare gli asset della competitività internazionale: l’originale “cultura politecnica” sintesi di saperi umanistici e conoscenze scientifiche e tecnologiche, una storia orientata al futuro, una forte tendenza alla qualità. I musei e gli archivi di impresa sono dunque leve strategiche fondamentali, per navigare nella crisi e costruire progetti di crescita. La loro valorizzazione incide positivamente su brand, orgoglio identitario dei dipendenti, attività di marketing e comunicazione, relazioni con i mercati. E, più in generale, rafforza il prestigio del “made in Italy” nel mondo.”
La prima relazione è affidata a Marco Doria dell’Università di Genova, che nella veste di presidente della Società Italiana degli Storici Economici, si soffermerà su “La scommessa dell’innovazione: ascesa e declino delle città marinare”, tema di particolare rilievo per Venezia.
I lavori entreranno nel pieno soffermandosi sulla “Nuova definizione di museo”, oggetto di specifiche riflessioni per una realtà, come quella dei musei e degli archivi d’impresa, che si connota per una gamma vastissima e molto diversificata di fisionomie e caratteristiche.
Enrico Carraro, Presidente Confindustria Veneto, chiuderà la parte iniziale della mattinata con un intervento sull’importanza dei musei come identità tangibile dell’impresa.
Il programma mette poi a fuoco alcune esperienze che per il loro contesto, l’originalità dei loro progetti, la capacità di dialogo con i pubblici, si stanno ponendo al centro dell’attenzione: si inizierà con un focus su “Musei, Imprese e Formazione: nuovi scenari tra cultura e moda”, che presenta il primo progetto pilota della collaborazione tra musei civici e musei d’impresa, con interventi di Federica Rossi, Curatore, Museo della Calzatura di Villa Foscarini Rossi, Chiara Squarcina, Dirigente Area Attività Museali, Fondazione Musei Civici di Venezia e di Alice Marcato, Direttore Tecnico del Politecnico Calzaturiero.
Seguirà Riccardo Bisazza, Board Member Orsoni Venezia 1888, che racconterà come la fornace è diventata un museo vivo.
Elisabetta Giuriolo, direttrice della Fondazione Rubelli, interverrà su “Quando una casa privata diventa un museo d’impresa: la collezione e archivio storico Rubelli”.
Chiuderà l’intensa mattinata di lavori Emma Ursich, Segretario Generale della Fondazione The Human Safety Net e Group Head of Corporate Identity, Assicurazioni Generali Spa, che si soffermerà su “Quando un ufficio si trasforma in Museo: Le Procuratie Vecchie”.
Il pomeriggio, altrettanto intenso, vedrà all’opera tre gruppi di lavoro. Il primo di essi si occuperà di didattica museale, intorno al tema “Percorsi per le scuole. Formazione e attività educational”.
Alle Procuratie Vecchie si discuterà di “museo inclusivo”, in termini di accessibilità e apertura ai nuovi pubblici.
Un terzo gruppo, all’Archivio Storico Rubelli, si occuperà di “archivio degli oggetti e schede catalografiche”.
L’indomani, la giornata del 14 ottobre, è dedicata a visite al Palazzo Ducale, alla Fornace Orsoni Venezia 1888, a Palazzo Mocenigo e all’Archivio Storico Rubelli.

In collaborazione con MUVEAcademy

Street Art for Rights
La street art 
per l’Agenda 2030 ONU

Dal 15 al 30 ottobre 2022

Natalia Rak | Etnik | Manuela Merlo | Attorep | Fabio Petani Barbara Oizmud | Davide Toffolo | NSN997

Settecamini | Ponte Mammolo | San Paolo

ROMA

Uno degli eventi più attesi della Biennale MArteLive – il più grande festival multidisciplinare diffuso d’Europa – sarà Street Art for Rights che torna a Roma dal 15 al 30 ottobre 2022 per firmare la terza edizione e mettere a segno gli ultimi 8 dei 17 Sustainable Development Goals (SDGs) dell’agenda ONU:

OBIETTIVO 10: Ridurre le disuguaglianze
OBIETTIVO 11: Città e comunità sostenibili
OBIETTIVO 12: Consumo sostenibile
OBIETTIVO 13: Lotta al cambiamento climatico
OBIETTIVO 14: Vita sott’acqua
OBIETTIVO 15: Vita sulla terra
OBIETTIVO 16: Pace, giustizia e istituzioni solide
OBIETTIVO 17: Partnership per gli obiettivi

Street Arts For Rights vuole raccontare e diffondere la cultura della sostenibilità attraverso la a street art, manifestazione pubblica di un’arte che nasce nel paesaggio urbano e ad esso appartiene. 

Street art for RIGHTS nasce con l’intento di portare l’arte nei quartieri con contesti difficili della periferia di Roma e adotta i 17 Goals dell’Agenda 2030 per lo Sviluppo Sostenibile dell’ONU come contenuto portante del proprio progetto. L’idea è quella di filtrare i 17 Goals con l’occhio dell’arte contemporanea promuovendo la realizzazione di 17 opere murarie da parte di diversi giovani street artist nell’ottica di portare questioni sociali, economiche e culturali sui muri dei quartieri periferici della capitale, in zone conosciute per situazioni di forte difficoltà. 

Il progetto vuole dare concretezza artistica al piano d’azione per le persone, il Pianeta e la prosperità promosso dall’ONU, avvicinando la comunità ai vari temi e sollecitando la discussione circa i problemi impellenti dell’era contemporanea su una scala di intervento più ampia. 

Il progetto, ideato e diretto da Giuseppe Casa e curato da Oriana Rizzuto, è organizzato dall’associazione culturale Taste and Travel in collaborazione con MArteSocial e MArteGallery e prevede un programma triennale di attività volte alla futura creazione di un museo a cielo aperto, pubblico e gratuito, al di fuori dei percorsi più battuti della capitale.

Dopo i primi 9 goal, si chiude la triennalità del progetto Street art for rights con gli altri otto obiettivi.

Per l’ultima annualità i quartieri che ospiteranno le opere dei goals dal numero 10 al numero 17 saranno Settecamini, Ponte Mammolo e San Paolo. 

Gli artisti coinvolti provengono da diversi ambiti della scena dell’arte urbana contemporanea nazionale e internazionale e sono stati selezionati per il loro impegno civile oltre che per il loro segno e impatto artistico:

1. Attorep (Italia) con i suoi ritratti romantici che conducono alla riflessione alle relazioni umane sempre più fragili illustrerà l’OBIETTIVO 10: Ridurre le disuguaglianze;
2. Davide Toffolo illustratore graffiante in stile gothic-punk dei Tre Allegri Ragazzi Morti realizzerà un’opera per l’OBIETTIVO 11: Città e comunità sostenibili;
3. Etnik (Svezia) con le sue illustrazioni geometriche e sottosopra a rappresentare l’equilibrio precario dell’essere umano e l’incessante velocità del mondo contemporaneo creerà un’opera sull’OBIETTIVO 12: Consumo sostenibile;
4. Fabio Petani (Italia) con le sue storie sulla natura che pongono riflessioni sui cambiamenti climatici dipingerà a favore dell’OBIETTIVO 13: Lotta al cambiamento climatico;
5. Barbara Oizmud (Italia) fotografa e illustratrice, onirica e cubista, con i suoi miti ed eroine surreali ma allo stesso tempo simboli della realtà dei nostri giorni raffigurerà l’OBIETTIVO 14: Vita sott’acqua;
6. Natalia Rak (Polonia) con i suoi colori e le tematiche legate alla natura e alle legende legate ad essa rappresenterà OBIETTIVO 15: Vita sulla terra;
7. Manuela Merlo (Spagna) con la sua arte tra classicismo e arte urbana di chiara ispirazione pittorica racconterà l’OBIETTIVO 16: Pace, giustizia e istituzioni solide;
8. NSN997 (Spagna) con i loro pattern grafici capaci di far riflettere sulle relazioni e la multiculturalità saranno impegnati nel declinare in chiave artistica l’OBIETTIVO 17: Partnerships per gli obiettivi.

Gli artisti restituiranno, ognuno dal proprio personale punto di vista, un’immagine potente sul concetto-chiave di sviluppo sostenibile, dal quale possono nascere tutte le considerazioni del dibattito sociali e dalle quali dovrebbe partire tutte le azioni da mettere in campo da parte di istituzioni, aziende, singole persone.

Non sarà un semplice festival di street art ma un’azione artistica e sociale, tesa a perseguire l’obiettivo di ampliare, attraverso l’arte e le occasioni d’incontro, lo spazio dedicato alla testimonianza di buone pratiche sui temi della sostenibilità – ambientale, sociale e di governance sostenibile- con il desiderio che queste si moltiplichino creando una reazione a catena di effetti positivi “contagiati e contagianti”.

Sarà la periferia di Settecamini il cuore pulsante dell’iniziativa, che ha ospitato già diverse opere degli anni precedenti, in collaborazione con il Comitato di Quartiere, per passare alla stazione della Metro B Ponte Mammolo fino a San Paolo nella scuola “Vito Volterra”.

Natalia Rak, Attorrep, Manuela Merlo, Davide Toffolo, Etnik e Fabio Petani arricchiranno il borghetto di Settecamini, Barbara Oizmud porterà la sua creatività alla metro B di Ponte Mammolo e gli NSN997 illumineranno con i loro pattern sulla multiculturalità e la condivisione la scuola “Vito Volterra” a San Paolo.

Per la realizzazione delle basi lavori vengono usate anche le vernici speciali del brevetto AirLite, prodotti che riescono a trasformare gli agenti inquinanti in molecole di sale e ad avviare il processo di fotosintesi. L’uso di tali strumenti ha il duplice obiettivo di trasformare il quartiere sia dal punto di vista estetico-culturale che da punto di vista ambientale.

Come le due annualità passate il progetto prevede la realizzazione di una Tavola Rotonda, fissata per venerdì 21 ottobre 2022 e sabato 22 ottobre, in collaborazione con ASviS – Alleanza Italiana per lo Sviluppo Sostenibile e con la partecipazione di tutti i rappresentanti dei partner istituzionali e gli artisti per la discussione di questioni, esperienze e best practice circa tematiche sostenibili.

Punto centrale di tutto il progetto Street art for rights è inoltre il coinvolgimento dell’intera comunità che potrà condividere con gli artisti idee, storie e proposte durante la realizzazione dei murales, attraverso una serie di workshop\talk con i partner e gli artisti aperti a tutti in programma dal 21 al 30 ottobre e una serie di laboratori nelle scuole dei quartieri coinvolti.

L’inaugurazione finale dei murales è prevista a Settecamini, con un’intera giornata all’insegna della contaminazione tra i generi artistici, da sempre elemento centrale nel progetto MArteGAllery che ha organizzato performances di danza contemporanea e musica. Verranno promosse, inoltre, due passeggiate sostenibili nei quartieri di Corviale e di Settecamini al termine dei lavori che daranno la possibilità al pubblico di conoscere da vicino le opere e i relativi Goals interpretati dai lavori degli artisti.

Alla conclusione del progetto ad ogni muro sarà apposta una targa con un QR Code che rimanderà al sito ufficiale e daranno la possibilità a tutti di scoprire più contenuti visivi ed informativi sugli artisti, sui Goals e sul processo creativo.

Anche quest’anno Il making of dell’evento sarà documentato dall’obiettivo di una giovane fotografa che per l’occasione sarà una talentuosa e giovane selezionata da una call, le cui immagini, insieme a quelle delle altre due fotografe scelte per le prossime edizioni, confluiranno in una mostra e un catalogo sul festival, che segneranno il GOAL 0, ovvero la conclusione e la comunicazione dell’intero progetto.

Street art for RIGHTS ha infatti pensato di aggiungere il Goal n.0 in funzione di una necessità di far riflettere e far parlare della cultura artistica della sostenibilità. “Goal 0” sarà il titolo dell’esposizione fotografica conclusiva che metterà in mostra presso la Galleria MITREOISIDE di Corviale le foto dei tre reportage realizzati dalle tre fotografe che hanno seguito i lavori degli artisti, i bozzetti donati dagli artisti e altri contenuti relativi agli eventi, allo scopo di fare un punto finale circa la possibilità di concretizzare il tema della sostenibilità anche nell’arte e nella divulgazione culturale. Alla fine del triennio è prevista la pubblicazione del catalogo della mostra fotografica. 

Il progetto, promosso dall’Assessorato alla Cultura di Roma Capitale, è vincitore dell’Avviso Pubblico Contemporaneamente Roma 2020-2021-2022 curato dal Dipartimento Attività Culturali ed è realizzato in collaborazione con SIAE.

Street Art for RIGHTS fa parte delle attività sviluppate da MArteSocial, un incubatore   incentrato sulla risoluzione di problematiche sociali attraverso progetti artistico-culturali che possano generare un impatto positivo sugli abitanti dei quartieri meno sviluppati che vertono in condizioni di disagio ed emarginazione. 

MArteGallery è uno spazio virtuale dedicato all’esposizione di opere artistiche in ogni campo (fotografia, pittura, scultura, grafica, etc.), il cui obiettivo principale è dare spazio a giovani emergenti, dare supporto ad artisti e gallerie, diffondere l’accessibilità della cultura e dell’arte con possibilità di acquistare le opere esposte. Una vera e propria “etichetta dell’arte” dedicata agli emergenti e alle gallerie, che offre management e consulenze di comunicazione ma anche supporto, conoscenza e strumenti per operare nel mondo dell’arte contemporanea.

L’AMALASSUNTA DI PIERO 

Personale di Silvio PASQUALINI 
A cura di Silvia Previti

15.10 > 30.11.2022

SPAZIO SILVIO PASQUALINI
Dorsoduro, Rio Ca’ Foscari 3248/b, Venezia

La mostra “L’Amalassunta di Piero” è la nuova esposizione di dipinti dell’artista Silvio Pasqualini, visitabile tutti i giorni dal 15 ottobre al 30 novembre 2022 nell’affascinante spazio sul Canale di Ca’ Foscari A Venezia.

Questo lavoro nasce in correlazione alla partecipazione dell’Artista alla prossima edizione del Premio Marche 2022, storica esposizione che si terrà al Palazzo Ducale di Urbino dal 19 Novembre.

“L’Amalassunta di Piero” è un ciclo di dipinti che nasce da un incontro, un cortocircuito, una scintilla imprevedibile che, come racconta Pasqualini, è scattata con la visione e l’interiorizzazione di autori della storia dell’arte della sua terra che hanno segnato la sua formazione artistica e ne hanno influenzato la produzione. 

In primis Piero della Francesca, che per Pasqualini diventa semplicemente “Piero” quasi fosse un caro appartenente alle sue origini, è l’artista per lui centrale e fondativo. 
Da lui Silvio Pasqualini trae la razionalità, la plasticità e geometria delle forme disposte nello spazio.

L’aspetto più lirico e poetico invece, Pasqualini lo carpisce dal marchigiano Osvaldo Licini, uno dei principali astrattisti italiani del primo Novecento del quale trova estremamente affascinanti e significative le ricorrenti versioni delle “Amalassunte”. 

Un soggetto spesso considerato misterioso nella produzione di Licini, queste figure femminili incarnano la personificazione di sentimenti a lui cari quali la malinconia e le sensazioni tipiche dei sognatori, rappresentate con figure sintetiche che fluttuano in grandi campiture di colore.

Da quel momento Pasqualini inizia a produrre le sue Amalassunte, opere che sono il frutto di un incontro reso possibile proprio dall’intuizione concettuale dell’artista: egli pesca dal suo alfabeto visivo quei rimandi alle sue origini artistiche, costruisce una sua grammatica e proietta in avanti queste figure che, richiamano a “Piero” nella struttura e nella grandezza, si slanciano in un fantastico incontro astratto e spirituale con i temi e i colori di Licini, per infine essere rielaborate nella forma grazie all’interiorizzazione personale di Pasqualini. 

Biografia

Silvio Pasqualini nasce a Morro d’Alba (AN) nel 1956. Dopo gli studi all’Accademia di Belle Arti di Macerata si trasferisce a Roma dove comincia ad esporre in diverse gallerie e musei per arrivare, a partire dalla fine degli anni ’70, ad esporre in gallerie europee e internazionali. Nel 2000 fonda con gli artisti Bertuccioli, Fioramanti e Gasparri il Movimento Artisti Clandestini. Nel 2005, seguendo un coerente percorso etico, artistico e di vita, trasferisce il suo studio a Bassano Romano (VT) e dal 2014 vive e lavora a Venezia.

Selezione di esposizioni

2018- Castello dei Principi Gallego, S. Agata di Militello
2018- Galleria Fadibè, Messina
2017-Biennale Arte di Venezia- Padiglione nazionale Armenia, Venezia
2017-Cantiere delle Barche 14, Vicenza
2017-“Visioni atemporali”, Writing Shed, Venezia.
2017- “Ombra del Moloch”, Palazzo Zenobio, Venezia
2017-“Silvio Pasqualini for Sicily”, Farmacia Boccetta, Messina.
2017-“Da Venezia a Palermo”, Galleria Studios, Palermo.

GALLARATE (VA) – MUSEO MA*GA

8 OTTOBRE – 4 DICEMBRE 2022

DUE MOSTRE DEDICATE AI LINGUAGGI DEL COLORE:

I COLORI SCAPPANO SEMPRE

UMBERTO CICERI. LA FORMA DEL RITMO

Le rassegne si aprono in occasione della 18^{^} Giornata del contemporaneo di AMACI, in programma sabato 8 ottobre

ad ingresso gratuito

A cura di Alessandro Castiglioni

Le due rassegne, curate da Alessandro Castiglioni, si aprono in occasione della 18^{^} Giornata del contemporaneo di AMACI – Associazione Musei Arte Contemporanea Italiani.

“Il rilancio di Duemilalibri – afferma Claudia Mazzetti, assessore alle Attività Formative del Comune di Gallarate – accompagna questo allestimento del Museo che per l’occasione, durante il festival, sarà a ingresso gratuito. Invitiamo così tutti i cittadini a partecipare alle attività culturali della Città in modo libero e gratuito e come occasione di formazione, approfondimento ma anche svago e aggregazione”.

La prima, dal titolo I colori scappano sempre propone il nuovo allestimento della collezione del MA*GA, rimodulato proprio seguendo la linea e il ritmo del colore.

Due specifici approfondimenti si articolano attraverso gli spazi del museo, mettendo in luce alcuni episodi fondamentali della storia dell’arte italiana dal secondo Novecento a oggi.

Il primo è riservato al rapporto tra astrazione geometrica e progettazione, dal Movimento Arte Concreta al design di anni cinquanta e sessanta, con opere di Soldati, Prampolini, Munari e oggetti di design di Campi, Magistretti e Sottsass.

Il secondo si sofferma sulle possibili declinazioni dell’idea di colore come linguaggio, dagli aspetti più segnici a quelli di matrice concettuale caratteristici di movimenti come la Pittura Analitica, fino alle sperimentazioni più contemporanee di autori quali Griffa, Blank, Isgrò e Vitone.

Il titolo dell’esposizione trae ispirazione da una riflessione di Ettore Sottsass che affermava che “i colori scappano sempre da tutte le parti, scappano al rallentatore come le parole, che scappano sempre, come la poesia che non si può mai tenere nelle mani, come i racconti belli, i colori scappano da tutte le parti, non si riescono mai a fermare”.

La seconda è la personale dell’artista e designer Umberto Ciceri (1961), dal titolo La forma del ritmo, al MA*GA e all’aeroporto Internazionale di Malpensa, T1.

Il progetto espositivo si concentra sulla produzione astratto–analitica di Ciceri, che prende le mosse dal Manifesto Realista (1920) di Naum Gabo per approfondire le sperimentazioni cromatiche caratterizzate dall’uso sperimentale di superfici lenticolari.

“I visitatori – afferma Umberto Ciceri – si muoveranno continuamente, produrranno da soli le associazioni necessarie, troveranno il loro ritmo: gli articoli della Dichiarazione dei Diritti Umani che si susseguono, i corpi che si agitano, i canti regolati da codici geometrici, i colori sulla soglia dell’invisibilità, le opere intarsiate composte secondo regole contrappuntistiche, tutto entrerà in risonanza, proponendo un’atmosfera percettiva contemplativa e sospesa”.

La pratica di Umberto Ciceri si concentra su studi di carattere percettivo e cromatico attorno l’ottica, la struttura chimica dei colori e dei processi neurofisiologici di ricezione delle immagini.

Il suo lavoro è stato ospitato da istituzioni come la Kunstverein Friedberg, il Museo Marino Marini, il Museo Nazionale del Bargello, la Reggia di Caserta, l’Istituto Italiano di Cultura di Hong Kong. Come textile designer e stylist ha lavorato con i più importanti brand di moda quali Gucci, Gianfranco Ferré, Moschino,  J.P. Gaultier, Armani.

Il percorso espositivo si completa con la sezione allestita all’interno delle sale Via Milano Lounge all’aeroporto di Milano Malpensa T1.

La mostra è realizzata grazie al supporto di Movie Skin e Liquid art system.

Ricola, per il quinto anno consecutivo, affiancherà come partner istituzionale il museo gallaratese sostenendo la programmazione espositiva e tutte le attività culturali in programma. L’azienda svizzera – produttrice delle benefiche caramelle alle 13 erbe – conferma la grande attenzione che da sempre mostra nei confronti dell’arte e della cultura come strumento di crescita e condivisione.

Anche l’azienda gallaratese Lamberti S.p.A. conferma il suo sostegno al MA*GA, dimostrando il continuo impegno nella valorizzazione culturale del territorio e la vicinanza, ormai consolidata, al Museo della città.