Urban Roots

Blek Le Rat, D*Face, JonOne, Shepard Fairey, 2501, Sten Lex, Tellas

Press Preview 16 marzo dalle ore 17.30 alle ore 18.30

Opening 16 marzo a partire dalle ore 18.30

Wunderkammern Via Giulia 180, Roma 

Wunderkammern, nella sede romana in Via Giulia, presenta la mostra dal titolo Urban Roots che vedrà protagonisti alcuni degli artisti che hanno contribuito alla realizzazione delle opere d’arte urbana più significative degli ultimi anni.

L’esposizione sarà un percorso emotivo che introduce il visitatore ad alcuni dei nomi più importanti del panorama nazionale ed internazionale di questo movimento: Blek Le Rat, D*Face, JonOne, Shepard Fairey, 2501, Sten Lex e Tellas. 
Dalle opere esposte emergeranno i diversi linguaggi artistici e le sperimentazioni stilistiche personali e innovative dei singoli artisti, che troveranno il loro punto di incontro in un unico contesto – quello urbano – e nella comune esigenza di innovare. Ed è proprio in questa esigenza di relazionarsi, ciascuno a suo modo, con lo spazio urbano che gli Street Artists hanno piantato le loro radici, già germogliate o che germoglieranno: Urban Roots partirà da queste radici e costruirà per il visitatore un cammino esplorativo del tutto originale. 

La mostra raccoglierà opere inedite al pubblico romano, alcune delle quali realizzate appositamente per l’evento. 

In allestimento ci saranno: i celebri topi di Blek Le Rat, da cui l’artista prende il nome “rat” che è anche anagramma di “art”; le rappresentazioni della società odierna in chiave provocatoria e super pop di D*Face; le esplosioni cromatiche di JonOne in grado di far vibrare di emozione gli spettatori; le inconfondibili opere di Shepard Fairey anche in formato orizzontale, nelle quali è sempre presente un forte messaggio politico. E ancora opere di 2501 appartenenti al progetto “Animated Landscape” che unisce Land Art, documentazione filmica e interazione con il tessuto urbano; le opere “colorate” di Sten Lex, una rarità nella produzione del noto duo italiano, caratterizzato dallo “stencil poster”, tecnica incisoria contemporanea di loro invenzione; ed infine la visione personale e intima degli elementi del paesaggio naturale elaborata da Tellas.

Blek le Rat (Xavier Prou, Parigi, 1951) è uno dei pionieri della Street Art internazionale ed è considerato il padre della Stencil Art e punto di riferimento per tutti gli street artists successivi, Banksy compreso. Blek Le Rat rivoluziona la tecnica dello stencil ideando l’iconica rappresentazione del ratto. Ratto come la parola “Rat” contenuta nel suo pseudonimo: secondo l’artista questo è l’unico animale capace di sopravvivere all’apocalisse, un simbolo di libertà. 

D*Face (Dean Stockton, Londra, 1978) è uno dei più prolifici e popolari street artists contemporanei. È cresciuto nella capitale britannica, ma gli Stati Uniti, il sogno americano, lo skateboard, l’hip hop, il punk e la musica rock sono sempre stati presenti nel suo pensiero. Il suo stile distintivo è riconoscibile grazie all’uso di immagini pop influenzate dal lavoro di Andy Warhol, Roy Lichtenstein, dalla campagna “André the Giant has a Posse” disegnata da Shepard Fairey nel 1989, dal linguaggio della pubblicità e dall’universo dei fumetti e dei cartoni animati. Da qui prendono vita i suoi personaggi disfunzionali, accompagnati da un pensiero o da un’affermazione che mette in discussione la nostra società sempre alla ricerca della fama e dell’eccessivo materialismo. Attraverso la sua critica del consumismo, invita il pubblico a riflettere su quello che i media ci costringono a vedere. 

JonOne (John Andrew Perello, New York, USA, 1963) è uno degli artisti contemporanei più riconosciuti oggi in Francia e una figura chiave nel mondo dei graffiti. Comincia a taggare sui muri di Harlem negli anni ’80, per poi trasferirsi a Parigi, dove porta il suo linguaggio nelle strade della capitale francese. Lo stile unico che definisce il lavoro di JonOne, tra i Graffiti e l’Espressionismo Astratto, deriva dalla combinazione di tre elementi fondamentali: la calligrafia, il colore e la materia pittorica, che insieme inondano di energia l’intera superficie dell’opera, grazie all’intersecazione continua delle linee e all’estrema brillantezza dei colori impiegati. 

Shepard Fairey (Obey) (Shepard Fairey, Charleston, Nord Carolina, 1970) si fa conoscere nella scena artistica all’inizio degli anni Novanta con il nome OBEY GIANT. Nel 1989 idea la campagna di sticker “André the Giant has a posse” con cui tappezza le strade di Providence di adesivi che ritraggono il volto del wrestler francese André the Giant. Da qui prende avvio il suo percorso artistico, che resterà sempre legato alla cultura hip hop e punk rock. Elaborando il design di adesivi, poster e matrici, Shepard sceglie di utilizzare una palette di colori minimalista, immediata ed efficace; con il suo linguaggio artistico vuole creare delle immagini comprensibili a tutti. Obey ha fatto della sua arte un vero manifesto politico e sociale. 

2501 (Jacopo Ceccarelli, Milano, 1981) inizia a taggare i treni all’età di 14 anni con il nome di “Never”. Si trasferisce a San Paolo, in Brasile, dove matura il suo stile artistico e sviluppa la sua tecnica; decide quindi di cambiare il suo nome in 2501, la sua data di nascita, per ricordare a se stesso questa rinascita artistica. La sua produzione, tra astratto e figurativo, si ispira alla natura e passa ora dai video ai dipinti, dagli elementi organici alle sculture. Ciò che conta per l’artista è il concetto e per esprimerlo si concentra sulla cosiddetta “gestualità”, il movimento della sua mano sulla superficie. 

Sten Lex, Sten (Roma, 1982) e Lex (Taranto, 1982) sono un duo di urban artists italiani che hanno reso celebre e inconfondibile la loro arte con la tecnica da loro stessi ideata: lo Stencil Poster. Nel loro processo artistico applicano gli stencil e strisce di carta sulla superficie dell’edificio, che poi rimuovono sia manualmente che attraverso gli agenti atmosferici, lasciando così emergere l’immagine e allo stesso tempo esponendo alcune parti dell’edificio. Nelle loro opere portano in scena sia immagini astratte, che si inseriscono armonicamente nel territorio, sia volti di persone, anonime e casuali, che diventano protagoniste della strada. Utilizzando principalmente scale di grigi e bianco e nero, i loro interventi sono influenzati da Op Art e fotografia. 

Tellas (Fabio Schirru, Cagliari, Italia, 1985) nella sua arte trasforma le città in giardini urbani, creando dei modelli organici e vegetali, ispirati ai paesaggi aspri della Sardegna. L’artista riflette sia sui cambiamenti climatici che sulla cementificazione massiccia che ha portato le città a divorare sempre di più il paesaggio circostante. Le sue opere, invece, si inseriscono in modo armonico nello spazio cittadino creando un’estetica non-urbana ed astratta.

Wunderkammern vi invita a prenotare la visita

ECO

Collettiva di Scultura, Installazioni e VideoArt

A cura di Fiamma Fiermonte e Pietro Tornesello  
In collaborazione con Takeawaygallery

Inaugurazione 16 marzo 2023 ore 19:00 – 2:00

Spazio EXP / Caffè delle Esposizioni 
Via Nazionale 194a – Roma

Fino al 18 marzo 2023

Dopo il successo riscosso da Iperione, progetto di sculture, installazioni  e performance musicali svoltosi nello Spazio EXP/Caffè delle Esposizioni nel febbraio del 2022, il duo curatoriale Pietro Tornesello e Fiamma Fiermonte in collaborazione con Takeawaygallery, propongono a un nuovo evento “ECO”, che ha come obiettivo quello di creare uno spazio nel quale più artisti di età e linguaggi diversi, potessero esprimersi liberamente con arte, musica e performance. Questa base di partenza ha avuto modo di concretizzarsi grazie all’opportunità che i curatori hanno avuto con gli artisti di allestire un’esposizione nella medesima location che ha permesso di sviluppare un progetto site-specific, dimostrando con la loro manualità e fantasia, come ogni singolo artista produca risultati diversamente spettacolari.

Subito all’entrata nel giardino, si presenta Homo di Massimo Rizzuto, una grande nuvola/universo installata al centro dello spazio esterno, realizzata con una rete metallica popolata di una umanità in miniatura. Gli omini in  miniatura sono tutti bianchi con la testa di colore diverso, dove, una o più luci ruotano intorno come dei soli, dando vita ad uno spazio vorticoso di ombre, di diverse dimensioni che vanno in contrapposte direzioni e la diversità degli uomini rappresentata  dalle teste colorate viene azzerata dalle danza delle ombre in una visione dell’umanità  senza alcuna differenza, creando un vortice che  si incrocia e si unisce a quelle dei visitatori che diventano parte integrante dell’opera installata; sempre nel giardino Bad Flowers di Alessandro Antonucci, un’installazione di materiali vegetali, cemento bianco e pittura, composta da diversi elementi, frutto di un lavoro su piante come le spighe di typha, le more di rovo, le canne palustri. Questi elementi fuoriescono dal suolo come se fossero fiori delle piante presenti sul posto, a creare una sorta di altra natura nella natura, un gioco, appunto, sui termini.

L’ultima opera a incorniciare l’area esterna è Simulacro D’infanzia di Giorgia Grassi, un aquilone sorretto da catene verrà posizionato all’esterno tra l’albero e la parete. L’aquilone è la rappresentazione della spensieratezza e leggiadria che caratterizza l’infanzia, le catene sono invece la pesantezza della vita adulta. Attraverso una luce posizionata al di sotto di questo aquilone vedremo dunque riflettersi sul muro dei colori che prendono piede a dimostrare come, nonostante la vita adulta, si può ancora vedere il mondo con occhi da bambino.

Continua poi nello spazio interno Cecilia Dieci, nel suo più recente esperimento, che è un  assemblaggio di ready-made dal titolo Cut Room, la scelta di porsi in campo in prima persona non denuncia una compulsione autoreferenziale, ma punta al concepimento e alla trasmissione di un concetto universale e condivisibile. (aiutata nella realizzazione e nella descrizione dell’opera dal gallerista Carlo Gallerati). 

A seguire Francesco Misiti con Tentativo n1, saranno Il tubo, la vasca, l’elica, lo specchio e la lente, i 5 elementi della macchina per la visione e lo spiegarsi di un paradosso. ” Dov’è Quand’è e Cos’è adesso”, una riflessione sul tempo presente, che infinitamente si esaurisce davanti agli occhi dello spettatore.

E muovendosi nello spazio interno reciterà un monologo Emma Piccirilli mentre Sebastiano Rolfi si esibirà cantando; si continua poi con i progetti di Giovanni Lo Castro: il primo Visual Pain 002, è il secondo capitolo della serie Hyper Visual, nasce a partire dall’archivio di Hyper Quotidiano, dove si aggiungono mappature spaziali e virtuali di spazi quotidiani e pubblici ripresi con l’utilizzo della fotogrammetria. Il secondo, in blacklight fabric, Simulacro, è una stampa realizzata su un particolare tessuto chiamato backlight, lo stesso utilizzato per stampare le pubblicità dei banner retroilluminati, l’effetto della retroilluminazione simula l’estetica e la vivacità cromatica di uno schermo. 

Dulcis in fundo Memorie dal futuro di Patrick Paulin, artista italo-svedese, nato a Roma, compositore, autore, cantante e pianista. Art videoclip, o videoclip d’arte, è un’opera in cui due o più lavori artistici, di cui uno musicale, si fondono nella forma del videoclip, dando vita ad un’opera a sé stante. La sinergia creatasi moltiplica in modo esponenziale emozioni e messaggi propri delle singole opere, nella ricerca estetica di un armonioso equilibrio tra di esse. “Memorie dal futuro – Art videoclip” è la prima sperimentazione artistica di Patrick Paulin, in collaborazione con il fotografo romano Stefano Carsetti Esposito. L’opera fotografica del 2001 “stationtostation” si fonde alla perfezione con la composizione musicale dell’artista italo-svedese.

Artisti: Alessandro Antonucci, Cecilia Dieci, Giorgia Grassi, Giovanni Lo Castro, Francesco Misiti, Patrick Paulin, Emma Piccirilli, Massimo Rizzuto e Sebastiano Rolfi.

VITTORE CARPACCIO
Dipinti e disegni

Venezia, Palazzo Ducale, Appartamento del Doge

18 marzo – 18 giugno 2023

Mostra promossa dalla Fondazione Musei Civici di Venezia
In collaborazione con la National Gallery of Art di Washington

A cura di Peter Humfrey, con Andrea Bellieni e Gretchen Hirschauer

Comune di Venezia e Fondazione Musei Civici di Venezia, con la collaborazione della National Gallery of Art di Washington, propongo in Palazzo Ducale (dal 18 marzo al 18 giugno) la prima grande monografica su “Vittore Carpaccio”. Dipinti e disegni”, dopo quella che la medesima sede ha ospitato nel lontano 1963.

La grande retrospettiva, accolta dell’Appartamento del Doge, si è potuta concretizzare grazie alla collaborazione tra i MUVE e la National Gallery of Art di Washington dove, con il titolo “Vittore Carpaccio: Master Storyteller of Renaissance Venice” la mostra ora al Ducale era stata allestita dal 2 novembre 2022 al 12 febbraio di quest’anno, con grande successo di pubblico e ampio seguito mediatico. Con l’autorevole istituzione americana i Civici vantano una collaborazione consolidata, di cui è stata frutto anche la monografica su Tintoretto, organizzata congiuntamente dalle due Istituzioni e presentata in entrambe le sedi con grande successo di pubblico.
La curatela del progetto è stata affidata a Peter Humfrey, riconosciuto specialista del pittore e del suo contesto, con Andrea Bellieni, curatore dei Musei Civici di Venezia, e Gretchen Hirschauer, curatrice della pittura italiana e spagnola alla National Gallery of Art di Washington.
In mostra sono riunite soprattutto opere oggi in musei e collezioni internazionali, oppure in chiese degli antichi territori della Serenissima, dalla Lombardia all’Istria e alla Dalmazia: opere che illustrano compiutamente la varietà e l’altezza della pittura di Carpaccio, seguendone anche l’evoluzione; fino al capitolo conclusivo della sua carriera, tra secondo e terzo decennio del Cinquecento, quando l’arte del maturo maestro, pur rimanendo colta e suggestiva, pare non tenere il passo delle novità tematiche e tecniche introdotte da Giorgione.
Carpaccio (1465 ca. – 1525 o 1526) era anche un disegnatore superlativo: dal notevole corpus dei suoi disegni – il maggiore pervenuto a noi di un pittore veneziano del suo tempo – in mostra sono presenti numerosi studi su carta, spesso straordinari di per sé, che spaziano da rapidi schizzi compositivi d’insieme ad accurati studi preparatori di teste e pose. La mostra al Ducale propone ben 70 opere dell’artista, di cui 42 dipinti e 28 disegni, sei dei quali sono recto / verso, per cui le opere da ammirare nel complesso salgono a 76.
“Questa mostra – evidenzia Andrea Bellieni – nasce dall’esigenza di guardare con occhi nuovi a questo grande pittore, soprattutto alla luce di recenti restauri rivelatori e della scoperta di significativi inediti: una preziosa opportunità per la Storia dell’Arte, ma anche per il pubblico, di fronte alla pittura di irresistibile fascino di un tale ‘antico maestro’ “. La mostra è stata l’occasione per sviluppare la collaborazione tra Fondazione Musei Civici di Venezia e Istituto Italiano di Tecnologia che rappresenta l’eccellenza della ricerca italiana nell’ambito della conservazione e dello studio del patrimonio culturale, potenziata anche dalla partnership con AerariumChain.
Carpaccio formò e alimentò la sua arte nella tradizione pittorica veneziana dei Bellini, dei Vivarini, nonché di altre influenti personalità e tendenze, come la lezione dei toscani, dei ferraresi, di Antonello da Messina, dei tedeschi (Dürer) e dei ‘primitivi’ fiamminghi. Ne derivò una personalità subito originale e autonoma, soprattutto attratta dai particolari di flora, fauna e paesaggio, di architettura, arredo e decorazione, di abbigliamento ed esotismo. Il tutto composto con estro che spazia dal giocoso al teatrale, dell’aneddoto alla satira, ma giungendo anche a supremi vertici di poesia, psicologismo, drammaticità e profondità spirituale. Grazie a questi molteplici ‘registi’ personali – per i quali Carpaccio fu di fatto l’inventore della pittura europea cosiddetta ‘di genere’ – egli fu soprattutto un insuperato ‘raccontatore di storie’; infatti, fu sempre celebrato soprattutto per i suoi cicli, serie coordinate di tele (teleri) che tramandano articolati racconti sacri: quasi cinematografici, perfettamente ‘sceneggiati’ nella loro eloquente narrazione visiva popolare, furono realizzati per le sale di riunione di confraternite religiose laicali, a Venezia dette scuole.
“Tali opere basilari di Carpaccio – alcune rimaste a Venezia, ma altre esulate all’inizio nel secolo XIX in musei italiani e internazionali – sono troppo grandi e fragili per essere condotte in mostra (solo si è potuto riunire integralmente il ciclo smembrato della Scuola del Albanesi). Ma il visitatore potrà facilmente ritrovare in città tali essenziali capolavori; in particolare l’unico ciclo rimasto nella sede originaria, nella Scuola di Giorgio degli Schiavoni, anche grazie all’ingresso ridotto che la Scuola riconosce ai visitatori del Ducale”, evidenzia Mariacristina Gribaudi, Presidente di Fondazione MUVE.
“Vittore Carpaccio – sottolinea il Sindaco Luigi Brugnaro – fu indubbiamente uno dei pittori più originali, fantasiosi e inventivi operanti nella Venezia del pieno Rinascimento, all’epoca straordinario crocevia economico e culturale. Allora la Serenissima era una vera ‘potenza’ europea e mediterranea. Carpaccio, che intride di fantastica venezianità ogni sua tela, ne è stato indubbiamente il più affascinante, visionario, innamorato illustratore”.

VIRGILIO MILANI
e l’Arte del ‘900 in Polesine

Rovigo, Palazzo Roncale
25 marzo – 25 giugno 2023

Mostra promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, da un’idea di Sergio Campagnolo. A cura di Alessia Vedova.

Il 15 marzo di 45 anni fa, correva l’anno 1977, a Rovigo veniva a mancare Virgilio Milani, l’artista polesano più apprezzato dell’intero Novecento. Era nato, sempre a Rovigo, 29 febbraio 1888. Per l’intera sua esistenza, fatta salva la frequentazione dell’Accademia di Venezia, non si mosse mai dalla sua terra.

Tra pochi giorni, il 25 marzo, prenderà il via al Roncale una mostra che ne ripercorrerà la vicenda artistica ponendola all’interno dell’ambiente rodigino in cui essa interamente si sviluppò.

 “Virgilio Milani e l’Arte del ‘900 in Polesine”, promossa dalla Fondazione Cassa di Risparmio di Padova e Rovigo, è curata da Alessia Vedova e si potrà ammirare al Roncale sino al 25 giugno.

Nel suo testamento Milani chiarì di non volere che nessuna mostra gli fosse dedicata una volta venuto a mancare. Non aveva voluto essere protagonista di nessuna monografica in vita e altrettanto voleva avvenisse anche dopo la morte.

«Una volontà, così esplicitamente dichiarata, andava rispettata», afferma Alessia Vedova, curatrice della prossima rassegna al Roncale. «Anche in ossequio alla volontà dell’artista, abbiamo proposto una esposizione collettiva, nella quale accanto a Milani ad essere raccontata, sia pure in modo ristretto e inevitabilmente parziale, è l’Arte del ‘900 in Polesine, come non a caso indica il titolo della rassegna.

Milani ne sarà, ovviamente, il protagonista, ma in parallelo alla sua vicenda intendiamo far emergere gli altri protagonisti di ottant’anni di arte polesana».

Non a caso, Alessia Vedova dedica il suo saggio introduttivo del catalogo della mostra al “Gigante schivo”. «Gigante – scrive la curatrice – perché nell’ambito della sua arte, la scultura, egli fu certamente un grande. Schivo, nel senso di non protagonista, perché, per carattere e scelte personali, si mantenne sempre fuori dall’agone nazionale e internazionale dell’arte, scegliendo di non uscire dal suo Polesine. Allievo della Accademia di Venezia, rifiutò una borsa di studio biennale a Parigi, opportunità che gli avrebbe permesso di entrare in contatto con il milieu culturale e artistico dell’epoca, di aprire i suoi orizzonti.

Fin da subito mostrò di rifuggire gli ambienti mondani e le occasioni dove si sentiva costretto ad apparire. Rifuggiva sia le rassegne personali sia la mercificazione delle sue opere nelle gallerie. Trascorreva le sue giornate a modellare a plasmare bronzi, terrecotte e sculture femminili. Elesse quale luogo del cuore – o sarebbe meglio dire come suo rifugio creativo – prima la sua casa di Via Trieste e poi l’atelier presso la sinagoga moresca di Via Corridoni. Un atelier ricercato e scelto perché in quegli ambienti la luce “diretta” dialogava con le sue opere, colpendole in maniera radente, evidenziandone il modellato e impreziosendole di riflessi ed ombre. Milani, per oltre sessant’anni testimone artistico di questo territorio, è vissuto in modo decisamente più “appartato” rispetto ad altri scultori della sua epoca. Una scelta, la sua, che lo ha oggettivamente penalizzato in fatto di notorietà ma che, per converso, gli ha consentito di coltivare una precisa, solitaria identità». Identità che la mostra al Roncale si propone di mettere in luce.

Info: Fondazione Cariparo www.fondazionecariparo.it

FRANCESCA TULLI

a cura di Mario de Candia

Opening: mercoledì 15 marzo 2023 ore 18,00

Dal 15 marzo al 29 aprile 2023

Hyunnart Studio
Viale Manzoni 85/87 – Roma

Hyunnart Studio, come prima mostra del 2023, presenta recenti opere di Francesca Tulli, con la cura di Mario de Candia autore anche del testo in catalogo.
Il pasto è il tema prevalente delle opere in mostra, un pasto ideale e sconcertante in linea con la poetica dell’artista caratterizzata da spiazzamenti, equilibri difficili e armonici, leggerezza ma sempre sulla soglia della pressione mentale.

In mostra vengono presentate quattro piccole teste, tre in bronzo ed una in cera rossa, che emergono dalle pareti, e due piccoli busti che poggiano su basi cilindriche. Queste figure condividono un rituale surreale, pasteggiando e gustando parti di corpo umano.

Idealmente un soggetto macabro, certamente inquietante, ma da esso non trapela alcuna aggressività. Una serenità spiazzante rende quasi normale l’azione.

Altra opera in mostra è un pugnale in bronzo con impugnatura antropomorfa. Si tratta di una figura classica, come distesa su un triclinio, ma le gambe sono trasformate in lama che esce dalla base ed evidenzia la pericolosità dell’arma bianca o arma muta come l’artista ha denominato questa serie di opere: pugnali, spade e spilloni.

Una piccola testa in ceramica adagiata sul lato e posta su una base scura, evidenzia che il soggetto è stato schiacciato, manomesso e le impronte della mano che ha compresso la creta sono lì a testimoniarne il gesto.

Completano l’esposizione alcuni delicati disegni a matita, preparatori per la realizzazione di alcune delle sculture esposte in mostra.

Francesca Tulli vive e lavora a Roma. Ha esposto in numerose mostre personali e collettive in Italia e all’estero, in spazi istituzionali e privati.