Anna COLITTI
NELLE STANZE DELL’ANIMA 

a cura di Giorgio BONOMI

29.09> 29.10.2023  

SPAZIO THETIS 
Bacini-Arsenale Novissimo-Venezia

Venezia, Settembre 2023 Spazio Thetis presenta la nuova esposizione di Anna Colitti, artista eclettica con predilezione per la fotografia, Nelle Stanze dell’Anima, visitabile dal 29 settembre fino al 29 ottobre 2023. 

La mostra è  composta da circa 20 opere, una combinazione di autoritratti fotografici e disegni, che affrontano temi profondi e universali.
Colitti predilige l’uso dell’autoscatto per esprimere i suoi contenuti artistici, che spaziano dalla ricerca dell’identità all’evocazione di ricordi, passando per riflessioni sui miti, i rituali e i problemi filosofici. Con maestria, utilizza sia il bianco e nero che il colore, dimostrando una costante attenzione alle sfumature di luce e ombra, ottenendo risultati suggestivi che richiamano l’estetica caravaggesca.

Le opere di Colitti sono intrise di un profondo rispetto per la storia dell’arte del passato, a cui l’artista si ricollega in modo ideale. Molti dei suoi lavori, concepiti dopo aver creato l’ambiente adeguato, esplorano archetipi e storie che, nonostante le loro radici nel passato, continuano a parlare all’umanità. Tra i temi affrontati spiccano il mito di Dioniso e le figure alchemiche.

Uno dei punti focali dell’artista è la memoria e il concetto di tempo, questioni profonde della filosofia che Colitti affronta in modo estetico attraverso metafore visive. I suoi autoritratti, sebbene si concentrino sul suo corpo, evitano qualsiasi caratteristica soggettivistica e si collocano in maniera quasi statuaria nello spazio espositivo.

L’esposizione di Colitti è un viaggio emozionante che offre al pubblico l’opportunità di esplorare l’identità umana, la memoria collettiva e il tempo. L’artista ci guida in un percorso visivo che fonde il passato e il presente, creando un dialogo senza tempo tra l’arte e l’essenza dell’umanità.

Spazio Thetis

Spazio Thetis rappresenta la parte culturale e artistica di Thetis spa, società di ingegneria che sviluppa progetti e applicazioni tecnologiche per l’ambiente e il territorio e che vanta un’importante collezione permanente di arte contemporanea, che annovera installazioni come “Terzo Paradiso” di Michelangelo Pistoletto, “L’uomo che misura le nuvole” di Jean Fabre, “Le Sentinelle” di Beverly Pepper, solo per citarne alcune. L’attività artistica di Spazio Thetis si concentra su alcune tematiche: land art, arte ambientale, arte e scienza promuovendo e sostenendo l’arte contemporanea attraverso diverse iniziative presso la propria sede nell’antico Arsenale veneziano con il lussureggiante parco giardino. In tanti anni di attività ha collaborato con importanti istituzioni come musei, gallerie e fondazioni per la realizzazione di mostre temporanee, eventi collaterali Biennale e Padiglioni nazionali, ma anche in qualità di promotore e organizzatore esso stesso.

ANNA COLITTI 

Anna Colitti vive tra Venezia città e la campagna in provincia di Udine. Si è formata presso l’Accademia di Belle Arti di Venezia (laurea quadriennale in pittura; biennio specialistico in arti visive e discipline dello spettacolo con lode). Appassionata di filosofia, nei suoi aspetti teorici e pratici, negli ultimi 20 anni ha approfondito la sua formazione con corsi di discipline olistiche e meditative di vario genere. Artista eclettica, utilizza diversi mezzi espressivi per rappresentare il suo pensiero e percorso evolutivo. Tra essi spicca la fotografia, mezzo privilegiato di indagine e produzione estetica, talvolta punto di partenza anche per la realizzazione di lavori di pittura o installazioni. Fin dal 2000 ha partecipato ad esposizioni in Italia e all’estero. Vincitrice di diversi premi. Le sue opere di fotografia sono presenti al Musinf di Senigallia

MEZZO BUSTO
Mostra d’arte contemporanea sul ritratto

Nell’ambito della 19^edizione QUESTA VOLTA METTI IN SCENA… L’ESSERE

INAUGURAZIONE AL MuCA – Museo della Cantieristica di Monfalcone, VENERDì 29 SETTEMBRE

Con 75 opere dedicate al ritratto, si inaugura venerdì 29 settembre alle ore 11.00 al MuCa di Monfalcone – Museo della Cantieristica, via del Mercato, 3 (Panzano) – la mostra d’arte contemporanea dal titolo “Mezzo Busto”, curata dal Direttore artistico dell’intero progetto organizzato dell’Associazione culturale Opera Viva, Lorena Matic, e co-organizzata insieme al Comune di Monfalcone, nell’ambito della 19esima edizione della rassegna “Questa volta metti in scena… L’essere”.  Presenti all’inaugurazione l’Assessore al Cultura del Comune di Monfalcone, Luca Fasan, il Direttore artistico Lorena Matic, e alcuni degli artisti.

“Un’altra inquadratura sull’Essere, come identità e individuo” – anticipa Lorena Matic, ricordando l’esposizione scientifica visitabile a Trieste al Civico Museo Sartorio fino al 30 ottobre – “attraverso il soggetto principe nel mondo dell’arte, il ritratto, interpretato da cinque artisti, Valter Adam Casotto, Walter Criscuoli, Giordano Floreancig, Sofia Omnis e Fabio Rinaldi, con poetiche e tecniche che vanno dalle più tradizionali, come la scultura e la pittura alle più innovative, dalla fotografia digitale al video, al collage luminoso alla scultura prostetica”.

“Una felice collaborazione che si protrae da molti anni quella tra l’Amministrazione, l’Associazione culturale Opera Viva e la dott.ssa Lorena Matic” – sottolinea l’Assessore alla cultura del Comune di Monfalcone, Luca Fasan – che ha portato nella nostra città eventi espositivi d’arte contemporanea innovativi e molto apprezzati da esegeti, appassionati, studenti o semplici curiosi.     L’arte nelle sue molteplici forme e declinazioni espressive, questo l’intento dell’Amministrazione che, oltre al messaggio espositivo, vuole nel contempo promuovere quel grande valore identitario che rappresenta per il territorio e per tutti noi il Museo della cantieristica, sede oramai permanente e riconosciuta di queste apprezzate attività culturali”.

In mostra al MuCA fino al 30 ottobre, con orario dal venerdì al lunedì dalle 10.00-18.00, Valter Adam Casotto, truccatore prostetico che arriva dal mondo del cinema, lavorando in film come Lo Hobbit, Harry Potter, X-Men e che ha vinto anche un David di Donatello. Presenta un’opera imponente dal titolo “I Lived Forever”, dedicata a Rita Levi Montalcini: un mezzo busto iperrealista, realizzato con la tecnica prostetica usata nel cinema, che rende umanizzante per aspetto, sguardo e pelle il Premio Nobel. L’esplorazione del tempo, altro tema caro all’artista, la ritroviamo nell’opera video e fotografica “We will never meet the age”, in cui l’astista ha invecchiato se stesso di 50 anni, e ha poi spedito le foto del suo volto ai suoi genitori, generando in loro in un primo momento stupore e in un secondo la consapevolezza che loro figlio a quell’età non lo incontreranno mai. La scultura di “Pinocchio”, infine, è un’opera di design realizzata per il film di Matteo Garrone.

Dalla tecnica cinematografica della maschera prostetica si passa alla fotografia tridimensionale, proposta da Walter Criscuoli, con un lavoro inedito dedicato ai filosofi. Otto ritratti realizzati con la tecnica del fotomontaggio digitale in un procedimento lungo e certosino che porta all’opera finale, dopo un processo laborioso, che include centinaia se non migliaia di punti e linee.
Giordano Floreancig presenta invece  opere pittoriche a olio su tela di grande formato e una installazione, che verrà per la prima volta esposta a Monfalcone, composta da 39 disegni su ardesia dedicata ai mentori che hanno segnato la sua strada, fra i quali Frida Kahlo, Van Gogh, Pessoa.

Sofia Omnis, giovane artista classe 2000,esponecollage retroilluminati che traducono il mondo interiore in visionarietà. Immagini vintage che ci immergono in un’epoca passata, resa però attuale dalla creativa illuminazione a Led. Soggetti che abitano paesaggi improbabili, che fanno sognare e allo stesso tempo riflettere sulla società contemporanea.
Nei ritratti fotografici, realizzati con banco ottico in bianco e nero di Fabio Rinaldi, la persona ritratta viene svelata, non solo nelle sue fattezze fisiche, ma anche nell’aspetto più nascosto dell’essere che si associa a un nostro animale interiore, celato forse solo dalla maschera che la società impone.

Arricchisce il percorso espositivo l’audioguida, con voce dell’attrice Enza De Rose, per offrire ulteriori informazioni su opere e artisti, e consentire al pubblico non vedente una piena e completa fruizione della mostra.

Il progetto “Questa volta metti in scena…L’Essere” è realizzato con il sostegno della Regione Autonoma Friuli Venezia Giulia e con il contributo e la collaborazione del Comune di Monfalcone, del Comune di Grado, della SISSA, della Fondazione K.F. Casali, dell’Unione Italiana e della CAN di Pirano e con la collaborazione del Comune di Trieste, del CRAF, del Kulturni dom Gorica, dell’Associazione Obbiettivo Immagine.

Per maggiori info www.assocoperaviva.it

BOLOGNA

CUBO, IL MUSEO D’IMPRESA DEL GRUPPO UNIPOL

12 OTTOBRE 2023 –
18 GENNAIO 2024

CROSSING
Da Klimt a Basilé, da Sironi a Bauermeister

La mostra, allestita nelle due sedi di Torre Unipol e di Porta Europa, chiude l’anno del decennale.

Il percorso presenta una selezione di 22 opere del suo patrimonio artistico mai esposte in precedenza, affiancate ad alcune delle più recenti acquisizioni.

DOROTHEA LANGE. 
L’ALTRA AMERICA

Bassano del Grappa (Vi), Museo Civico
21 ottobre 2023 – 4 febbraio 2024

A cura di Walter Guadagnini e Monica Poggi

Mostra organizzata e promossa da CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino con i Musei Civici di Bassano del Grappa.

Dal 21 ottobre 2023 al 4 febbraio 2024 i Musei Civici di Bassano del Grappa, in collaborazione con CAMERA – Centro Italiano per la Fotografia di Torino, presentano al pubblico l’opera di Dorothea Lange (1895 –1965), celeberrima fotografa statunitense, co-fondatrice nel 1952 di Aperture, la più autorevole rivista fotografica al mondo e prima donna fotografa cui il MoMa dedicò una retrospettiva nel 1965, proprio pochi mesi prima della sua scomparsa.

Photographer of the people, la fotografa della gente. Così Dorothea Lange si presentava nel suo biglietto da visita. Perché lei, borghese del New Jersey, aveva scelto di non fotografare i divi o i grandi protagonisti del suo tempo, per concentrarsi invece sugli “ultimi” di un’America che stava affondando nella Grande Depressione. Lo sguardo con cui Lange coglie questa umanità dimenticata non è pietistico bensì profondamente “inclusivo”. Le sue immagini dimostrano infatti comprensione, sensibilità, partecipazione e immensa umanità, unite ad una capacità di lettura del contesto sociale rafforzata dal rapporto sentimentale e professionale con il marito, l’economista Paul Taylor. Nativa del New Jersey da una famiglia borghese di origini tedesche, a nove anni viene colpita dalla poliomielite che la rende claudicante; poi il dissidio con il padre, che abbandona la famiglia e che lei coraggiosamente ripudia assumendo il cognome materno.

Gli esordi la vedono a New York con Clarence White e Arnold Genthe. Nel 1918 parte per una spedizione fotografica in giro per il mondo, viaggio che si conclude prematuramente per mancanza di denaro a San Francisco, dove apre un proprio studio. Dopo avere operato per una decina di anni nel campo della ritrattistica professionale, abbracciando uno stile pittorialista, aderisce nei primi anni Trenta all’estetica della straight photography (fotografia diretta) per farsi madrina di una poetica della realtà e testimone della condizione dei più deboli ed emarginati: dai disoccupati e i senzatetto della California fino ai braccianti costretti a migrare di paese in paese alla ricerca di campi ancora coltivabili.

I drammatici accadimenti che segnano gli anni della Grande Depressione la portano a contatto con il grande progetto sociale e fotografico della “Farm Security Administration”, di cui diviene la rappresentante di punta. Nella seconda metà degli anni Trenta fotografa dunque la tragedia dell’America rurale colpita da una durissima siccità, realizzando alcune delle sue immagini insieme più drammatiche e più celebri: in questo contesto nasce infatti Migrant Mother, un’icona con cui Lange scrive una pagina indelebile della storia della fotografia imponendosi quale pioniera della documentazione sociale americana. Tuttavia, soffermandosi su quelle immagini potentemente evocative ci si accorge che vi è qualcosa di più. È lo sguardo di un’artista colta e raffinata che riesce a narrare temi e soggetti di grande drammaticità quali la crisi climatica, le migrazioni, le discriminazioni con una forza, un’incisività e una modernità sorprendenti. Nonostante ci separino diversi decenni da queste immagini, i temi trattati da Lange sono di assoluta attualità e forniscono spunti di riflessione e occasioni di dibattito sul nostro presente.

Fulcro – e novità – della mostra curata da Walter Guadagnini e Monica Poggi e che presenterà quasi duecento scatti, sarà uno speciale affondo sulla nascita di questo capolavoro, secondo un percorso espositivo di grande fascino ma anche di forte valenza divulgativa e didattica: la presentazione degli scatti eseguiti da Lange per trovare la foto perfetta, permetterà al pubblico di comprendere il procedimento attraverso il quale nasce un’icona.

Su commissione del governo americano, Lange si occupò successivamente anche della controversa vicenda dei campi di prigionia per cittadini giapponesi presenti sul territorio americano dopo l’attacco di Pearl Harbor, serie che per il suo atteggiamento critico nei confronti della politica governativa verrà sostanzialmente censurata e riportata solo molti anni più tardi. Queste fotografie – ulteriori testimonianze della profondità e della lucidità dello sguardo fotografico di Dorothea Lange – saranno esposte per la prima volta in Italia in modo così esaustivo proprio in occasione della rassegna; un evento nell’evento, in quanto la mostra si accompagna alla riapertura del Museo Civico di Bassano del Grappa che, dopo sei mesi di lavori di ammodernamento e riqualificazione, riconsegna al pubblico le proprie importanti collezioni permanenti in spazi completamente rinnovati e con un allestimento affascinante, aggiornato e ricco di opere inedite.

Attraverso un’ampia selezione di opere – alcune delle quali non esposte nella tappa torinese della mostra – provenienti da diversi nuclei collezionistici che conservano l’opera di Dorothea Lange (tra cui in particolare la Library of Congress di Washington, i National Archives statunitensi), la mostra si incentrerà principalmente sul periodo d’oro della carriera della fotografa, dagli anni Trenta alla Seconda Guerra Mondiale, presentando anche scatti precedenti e successivi per dare conto della varietà e della profondità della sua ricerca, sempre tesa a restituire un sincero e partecipato ritratto di ciò che la circondava. Come affermò lei stessa, “la macchina fotografica è uno strumento che insegna alla gente come vedere il mondo senza di essa”.

La mostra è patrocinata dalla Regione Veneto. Official sponsor: pba S.p.A.

Neither

LUIGI BATTISTI _ CLAUDIOADAMI

A proposito di
SAMUEL BECKETT __ MORTON FELDMAN

interventi sonori
CRISTIANO LUCIANI

testo critico
DILETTA BORROMEO

Hyunnart Studio viale Manzoni 85/87 00185 Roma

inaugurazione 6 ottobre dalle ore 18.00
dal 6 ottobre al 10 novembre 2023

Hyunnart Studio inizia la programmazione nell’autunno 2023 con una mostra in cui interagiscono i due artisti claudioadami  e Luigi Battisti.

Il titolo “Neither”, difficile da tradurre puntualmente ma che in parte significa “né l’uno, né l’altro”, sembra confermare la tipica negazione/affermazione beckettiana riguardo all’indicibile.

Hyunnart Studio inizia la programmazione nell’autunno 2023 con una mostra in cui interagiscono i due artisti claudioadami e Luigi Battisti, benché si potrebbe dire che gli autori siano quattro, in quanto il tutto nasce da una domanda di Morton Feldman nel 1976 a Samuel Beckett, ossia la richiesta di un libretto per un’opera lirica. Il testo con cui Beckett risponde, da lui stesso definito short prose, sarà esposto in mostra nella versione originale e nella traduzione in Italiano. Il titolo dell’opera, “Neither”, difficile da tradurre puntualmente ma che in parte significa “né l’uno, né l’altro”, sembra confermare la tipica negazione/affermazione beckettiana riguardo all’indicibile.

Come Diletta Borromeo scrive in catalogo, da tempo claudioadami e Luigi Battisti indagano incessantemente attorno alla pittura, con intenti e risultati formali molto diversi tra loro, facendo sì che questa mostra si trasformi in un luogo di contrasti tra il colore e il nero, ma anche di alcune analogie nell’attitudine al rigore e all’interesse riguardo a Feldman e Beckett.

claudioadami, dopo aver lavorato tre anni nel trascrivere/cancellare i testi della trilogia di Beckett, con “La trilogia del nero” avvia il compito di fare altrettanto con tutte le opere dello scrittore in infinite variazioni. Applicando questo metodo ossessivo, essenziale e inderogabile, l’artista ritiene di essere un personaggio beckettiano, e come tale perpetua un ciclo che non può arrestarsi, essendo esso stesso l’unico motivo per farlo – o non farlo – in una continua attesa.

Da qui il “MONO_tono” (2022) che tradisce la passione di claudioadami per il Minimalismo, con i suoi quaranta scomparti quadrati, ognuno di 40 cm di base, di fatto un modulo; e le sette tele nell’Accrochage (2022) dette componimenti, sono moduli di diverse gradazioni di nero che “si comportano” come movimenti musicali liberi perennemente in cerca di un luogo stabile.

In “Rombo”, tra le prime opere di Luigi Battisti, è già presente l’appropriazione dello spazio, occupato da nove elementi in legno dipinto, elaborati in variazioni ripetute ma non identiche. La geometria, il modulo e la serialità insistono e costituiscono il punto base della sua stessa ricerca, spesso attorno al quadrato con precise regole e delle cosiddette “mitologie” come le opere musicali di Erik Satie, John Cage e Morton Feldman, delle quali memorizza i tempi dei suoni e dei silenzi, facendoli diventare vuoti e pieni, attraverso i codici e cifre dei rapporti che nascono all’interno della struttura compositiva. Ed è infatti in questa logica che vengono realizzati l’arazzo “Neither” (2023), dedicato a Morton Feldman, fine collezionista di tappeti, e “Motivi” (2022), un dipinto di grandi dimensioni costruito “a tasselli” che ripropongono in modo astratto i motivi di tappeti tibetani, componimenti modulari che l’artista ha concepito autonomamente e che dunque potrebbero variare di posizione.

I quattro movimenti sonori Ambient/Drone sono stati realizzati da Cristiano Luciani con sintetizzatori, voce, strumenti acustici rielaborati elettronicamente e pianoforte. Il trattamento del suono è prossimo alla logica della pittura: spazializzazione, stratificazione, superficie lisce o materiche.

Traccia I: Untitled
Traccia II: Twilight (For Samuel Beckett), feat. Sachiko (vocals)
Traccia III: Attraversando il bardo, (For Morton Feldman), feat. Luca Venitucci (piano)
Traccia IV: Untitled