GALLARATE (VA) – MUSEO MA*GA

8 OTTOBRE – 4 DICEMBRE 2022

DUE MOSTRE DEDICATE AI LINGUAGGI DEL COLORE:

I COLORI SCAPPANO SEMPRE

UMBERTO CICERI. LA FORMA DEL RITMO

Le rassegne si aprono in occasione della 18^{^} Giornata del contemporaneo di AMACI, in programma sabato 8 ottobre

ad ingresso gratuito

A cura di Alessandro Castiglioni

Le due rassegne, curate da Alessandro Castiglioni, si aprono in occasione della 18^{^} Giornata del contemporaneo di AMACI – Associazione Musei Arte Contemporanea Italiani.

“Il rilancio di Duemilalibri – afferma Claudia Mazzetti, assessore alle Attività Formative del Comune di Gallarate – accompagna questo allestimento del Museo che per l’occasione, durante il festival, sarà a ingresso gratuito. Invitiamo così tutti i cittadini a partecipare alle attività culturali della Città in modo libero e gratuito e come occasione di formazione, approfondimento ma anche svago e aggregazione”.

La prima, dal titolo I colori scappano sempre propone il nuovo allestimento della collezione del MA*GA, rimodulato proprio seguendo la linea e il ritmo del colore.

Due specifici approfondimenti si articolano attraverso gli spazi del museo, mettendo in luce alcuni episodi fondamentali della storia dell’arte italiana dal secondo Novecento a oggi.

Il primo è riservato al rapporto tra astrazione geometrica e progettazione, dal Movimento Arte Concreta al design di anni cinquanta e sessanta, con opere di Soldati, Prampolini, Munari e oggetti di design di Campi, Magistretti e Sottsass.

Il secondo si sofferma sulle possibili declinazioni dell’idea di colore come linguaggio, dagli aspetti più segnici a quelli di matrice concettuale caratteristici di movimenti come la Pittura Analitica, fino alle sperimentazioni più contemporanee di autori quali Griffa, Blank, Isgrò e Vitone.

Il titolo dell’esposizione trae ispirazione da una riflessione di Ettore Sottsass che affermava che “i colori scappano sempre da tutte le parti, scappano al rallentatore come le parole, che scappano sempre, come la poesia che non si può mai tenere nelle mani, come i racconti belli, i colori scappano da tutte le parti, non si riescono mai a fermare”.

La seconda è la personale dell’artista e designer Umberto Ciceri (1961), dal titolo La forma del ritmo, al MA*GA e all’aeroporto Internazionale di Malpensa, T1.

Il progetto espositivo si concentra sulla produzione astratto–analitica di Ciceri, che prende le mosse dal Manifesto Realista (1920) di Naum Gabo per approfondire le sperimentazioni cromatiche caratterizzate dall’uso sperimentale di superfici lenticolari.

“I visitatori – afferma Umberto Ciceri – si muoveranno continuamente, produrranno da soli le associazioni necessarie, troveranno il loro ritmo: gli articoli della Dichiarazione dei Diritti Umani che si susseguono, i corpi che si agitano, i canti regolati da codici geometrici, i colori sulla soglia dell’invisibilità, le opere intarsiate composte secondo regole contrappuntistiche, tutto entrerà in risonanza, proponendo un’atmosfera percettiva contemplativa e sospesa”.

La pratica di Umberto Ciceri si concentra su studi di carattere percettivo e cromatico attorno l’ottica, la struttura chimica dei colori e dei processi neurofisiologici di ricezione delle immagini.

Il suo lavoro è stato ospitato da istituzioni come la Kunstverein Friedberg, il Museo Marino Marini, il Museo Nazionale del Bargello, la Reggia di Caserta, l’Istituto Italiano di Cultura di Hong Kong. Come textile designer e stylist ha lavorato con i più importanti brand di moda quali Gucci, Gianfranco Ferré, Moschino,  J.P. Gaultier, Armani.

Il percorso espositivo si completa con la sezione allestita all’interno delle sale Via Milano Lounge all’aeroporto di Milano Malpensa T1.

La mostra è realizzata grazie al supporto di Movie Skin e Liquid art system.

Ricola, per il quinto anno consecutivo, affiancherà come partner istituzionale il museo gallaratese sostenendo la programmazione espositiva e tutte le attività culturali in programma. L’azienda svizzera – produttrice delle benefiche caramelle alle 13 erbe – conferma la grande attenzione che da sempre mostra nei confronti dell’arte e della cultura come strumento di crescita e condivisione.

Anche l’azienda gallaratese Lamberti S.p.A. conferma il suo sostegno al MA*GA, dimostrando il continuo impegno nella valorizzazione culturale del territorio e la vicinanza, ormai consolidata, al Museo della città.

RAOUL DUFY
Il pittore della gioia

Roma, Palazzo Cipolla
14 ottobre 2022 – 26 febbraio 2023

La pittura, i soggetti e i colori sgargianti saranno i protagonisti della prima grande esposizione in Italia dedicata al grande artista Raoul Dufy, ospitata a Palazzo Cipolla di Roma dal 14 ottobre.

Dufy, il pittore della gioia, della luce e del colore contribuì a cambiare il gusto del pubblico della prima metà del ‘900 adattando le sue innovazioni e la sua vivacità a tutte le arti decorative.

Con 160 opere provenienti dalle più importanti collezioni pubbliche e private francesi, la mostra percorre l’intera parabola artistica di uno dei più grandi interpreti della storia dell’arte, a cavallo tra impressionismo e fauvismo.

Dal 14 ottobre 2022, le sale di Palazzo Cipolla ospitano la prima grande esposizione mai realizzata in Italia e dedicata a uno dei maestri dell’arte moderna: RAOUL DUFY (Le Havre, 3 giugno 1877 – Forcalquier, 23 marzo 1953).

Autore di opere monumentali come La Fée Electricité (1937 – 1938) – uno dei dipinti più grandi al mondo, di una lunghezza complessiva di 6 metri, composto da 250 pannelli e commissionatogli dalla “Compagnie parisienne de distribution d’électricité” per essere esposto nel Padiglione dell’elettricità al World’s World del 1937 -, Dufy fu un grande pittore, scenografo e disegnatore francese di inizio ‘900 che, per la sua capacità di catturare le atmosfere, i colori e l’intensità della luce e a trasferirli sulle sue tele, divenne – per antonomasia – il pittore della gioia e della luce.

Nacque da una famiglia di modeste condizioni economiche ed ebbe un padre attivo come organista che trasferì in particolare a Raoul la sua stessa passione per la musica, che lui coltivò per tutto il resto della vita trasponendola anche nelle sue opere.
In seguito a una crisi finanziaria della famiglia, nel 1891 il giovane Raoul fu costretto a cercare lavoro a Le Havre.

Nell’ambiente artistico straordinariamente stimolante di Parigi si avvicinò a due maestri dell’impressionismo come Monet e Pissarro ma, nel 1905, lo scandalo dei Fauves gli rivelò una pittura moderna e “di tendenza” che lo portò ad avvicinarsi a Matisse.
Il 1903 fu l’anno della sua prima volta al Salon des Indépendants, nel quale espose fino al 1936 e poi fu accettato nel 1906 al Salon d’Automne (fino al 1943).

La sua attività artistica non conobbe interruzioni e, dal 1910, ampliò la sua attività nel campo delle arti decorative affermandosi con successo in una produzione assai vasta, dalla xilografia alla pittura e alla grafica, dalle ceramiche ai tessuti, dalle illustrazioni alle scenografie. Con un’attività artistica che non conobbe interruzioni fino alla sua morte, tutto ciò gli consentì di recuperare la sua tavolozza squillante, cui sovrappose un tocco grafico vibrante e allusivo.La mostra Raoul Dufy. Il pittore della gioia, con oltre 160 opere tra dipinti, disegni, ceramiche e tessuti provenienti da rinomate collezioni pubbliche e private francesi – come il Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris che conserva di Dufy una delle più ricche collezioni, dal Centre Pompidou, Palais Galliera, la Bibliothèque Forney e la Bibliothèque littéraire Jacques Doucet tutte di Parigi insieme al Musée de la Loire, Musée des Tissus et des Arts Décoratifs di Lione, il Musée des Beaux-Arts Jules Chéret di Nizza e al Musée Royaux des Beaux-Arts de Belgique di Bruxelles – racconta la vita e l’opera di un artista con lo sguardo sempre rivolto alla modernità, pervaso da una vivacità che ha saputo adattare a tutte le arti decorative, contribuendo a cambiare il gusto del pubblico.Curata da Sophie Krebs, conservatrice generale del patrimonio del museo parigino, la mostra è un viaggio emozionale attraverso i temi prediletti dall’artista, dove le sensazioni visive ridotte all’essenza della realtà, l’utilizzo della composizione, della luce e del colore sono gli elementi emblematici che caratterizzano le sue opere.Suddivisa in 14 sezioni tematiche, la mostra racconta l’intero percorso artistico del pittore francese, attraverso molteplici opere che abbracciano varie tecniche nei diversi decenni del Novecento, dagli inizi fino agli anni Cinquanta, quando Dufy cercò nuovi temi a causa della guerra e della malattia che lo costrinse a rimanere nel suo studio nel sud della Francia.

Un excursus che trova il suo leitmotiv nella violenza cromatica, nella magia di quel colore che diventa elemento indispensabile per la comunicazione di emozioni e stati d’animo.
Un’evoluzione che vede Dufy inizialmente prosecutore di quella tradizione impressionista germogliata con Monet proprio nella sua città natale di Le Havre e poi insieme ai Fauve che, radunati attorno alla figura di Matisse, reagiranno presto alla pittura d’atmosfera e a quel dipingere dominato dalle sensazioni visive, per poi approdare infine ad abbracciare l’austerità cezanniana con la quale le forme, le zone piatte di colori accesi o addirittura violenti sono indipendenti dalla linea che accenna appena a circoscriverle.Onde a V rovesciata, nuvole e un mondo di forme: bagnanti, uccelli, cavalli, paesaggi ispirati sia dalla modernità che dal classicismo.
Sensibile all’aria del proprio tempo, si interessa alla società dell’intrattenimento con le sue corse, le regate, gli spettacoli elitari e popolari al contempo che Dufy riproduce con brio e vivacità.
Un artista alla perenne ricerca di stimoli e sperimentazione, in grado di rendere l’arte impegnata ma allo stesso tempo apparentemente “leggera”, il cui scopo dichiarato era, come scrive la scrittrice americana Gertrude Stein, di arrecare piacere.La mostra, promossa dalla Fondazione Terzo Pilastro – Internazionale per volontà del suo Presidente Prof. Avv. Emmanuele F. M. Emanuele, è realizzata da Poema con il supporto organizzativo di Comediarting e Arthemisia, ideata dal Musée d’Art Moderne de la Ville de Paris, Paris Musées e curata da Sophie Krebs, conservatrice generale dello stesso museo parigino.

Catalogo edito da Skira.

Al via questo fine settimana il ColornoPhotoLife

“Acqua, fonte di vita” è il tema della 13° edizione del festival fotografico parmense che si svolgerà dal 14 al 16 ottobre a Colorno. Nutrito il programma con 20 mostre negli spazi ufficiali e altre 16 in diversi luoghi della cittadina, oltre a incontri, workshop, letture portfolio e fanzine

Prenderà il via venerdì 14 e si concluderà domenica 16 ottobre la 13a edizione del ColornoPhotoLife. Un festival tematico che dalla sua nascita cerca di proporre “radici e nuove frontiere della fotografia”. E che anno dopo anno è sempre più un punto di riferimento per il panorama fotografico nazionale. Il tema di quest’anno è “Acqua, fonte di vita” e come di consueto sarà  l’occasione per gli appassionati di ogni livello di esporre le proprie opere accanto a quelle di maestri che hanno fatto la storia della fotografia e di vedere le tendenze in atto nell’ambito della fotografia nazionale.

Le mostre sono allestite all’interno degli spazi museali dell’Aranciaia, del MUPAC e della Reggia, ma anche in spazi commerciali della cittadina parmense, dove saranno esposti numerosi lavori a portfolio. Il festival, organizzato dal Gruppo Fotografico Color’s Light in collaborazione con Antea Progetti, è patrocinato dal Comune di Colorno, dalla Provincia di Parma, dalla Regione Emilia Romagna, da FIAF (Federazione italiana associazioni fotografiche) ed è sostenuto da Regione Emilia Romagna e Fondazione Cariparma.

Durante le tre giornate clou (e fino al 19 novembre) si alterneranno momenti espositivi di fotografia, proiezione di audiovisivi, presentazioni editoriali, tavoli di letture del proprio portfolio, workshop, concerti musicali e da quest’anno il festival si arricchisce del premio di lettura fanzine Read-Zine, novità assoluta per i festival fotografici italiani.

Il programma del festival è curato da un comitato scientifico di professionisti ed esperti in ambito fotografico: Gigi Montali (Presidente Gruppo Fotografico Color’s Light Colorno), Silvano Bicocchi (Direttore dip. Cultura FIAF), Loredana De Pace (giornalista e curatrice) e Antonella Balestrazzi (Presidente Antea Progetti).

Anche in questa edizione, prestigiose le collaborazioni: Archivio Fondazione 3M, CSAC (Centro Studi e Archivio della Comunicazione), la rivista Il Fotografo, MUSA fotografia e TTA (Travel Tales Award).

Venerdì 14 alle 21 inaugurazione del festival con presentazione delle mostre fotografiche negli spazi dell’Aranciaia (Piazzale Vittorio Veneto, 12), che rimarranno aperte fino al 13 novembre. Al MUPAC (primo piano Aranciaia) “Piena di grazia” di Ilaria Sagaria, “Love givers” di Simone Cerio, “Cosmi” di Alessandro Gattuso, “Alberto Sordi – L’umanità fragile” e “Il Mississippi di William Ferris”. In Aranciaia (piano terra) la collettiva “Worl Water Day Photo Contest”, “Leaves” di Stefano Sabene e le collettive a tema “L’acqua fonte di vita”.

Sabato 15 alle 11:30 alla Reggia di Colorno verrà presentata e aperta al pubblico la mostra di e con Marco Gualazzini “La crisi del lago Ciad”. Alle 15:30, al Piano Nobile, inaugurazione della mostra “L’Arte di ritrarre gli artisti” di e con Nino Migliori a cura di Sandro Parmiggiani.

Sempre sabato (10 – 12:30, 15 – 18) e domenica 16 (dalle 9:30 alle 12:30) al MUPAC (Aranciaia) 12o premio portfolio “Maria Luigia”: 11a tappa del Portfolio Italia 2022. Ai tavoli di lettura si alterneranno critici fotografici, photoeditor e fotografi rappresentanti del panorama fotografico italiano: Orietta Bay, Federica Berzioli, Silvano Bicocchi, Maria Teresa Cerretelli, Alessandro Gandolfi, Claudia Ioan, Stefania Lasagni, Laura Manione, Massimo Mazzoli, Fulvio Merlak, Antonella Monzoni, Paola Riccardi e Silvia Tampucci.

Ancora sabato al MUPAC (dalle 10:40 alle 12:40 e 14:30 alle 17:30) AV-LAb a cura del DIAF con Laura Mosso, Roberto Puato e Gianni Rossi. Sarà l’occasione sia per sottoporre i propri lavori ai docenti FIAF sia per avere uno scambio con esperti di settore. Visita guidata alle mostre alle 11 con Loredana De Pace e alle 15:30 con Silvano Bicocchi.

Alle 18:30 incontro con il fotografo e critico musicale Guido Harari che presenterà il suo ultimo libro: “Remain in light. 50 anni di fotografie e incontri”. Protagonisti i big della musica ma non solo.

Domenica 16 ottobre alle 10:45 alla Reggia di Colorno presentazione del libro “Drop in – Cadere dentro” di Serafino Fasulo che dialogherà con Antonella Monzoni ed Eleonora Carlesi. A seguire (11:45) presentazione del libro “Concordia” di Alessandro Gandolfi. Dialogherà con il fotografo l’editore di Seipersei, Stefano Vigni.

Sempre domenica al MUPAC (9:30 12:30) premio di lettura fanzine Read-Zine, un tavolo di lettura fanzine composto da Loredana De Pace, Valeria Foschetti e Lorenzo Caleca. Dalle 15 presentazione dei seguenti libri fotografici: “Love Givers” di Simone Cerio, vincitore del premio fotografico “Umane Tracce”, a cura e con Paola Riccardi; alle 15:30 “L’uomo Fotografico” di Fabiola di Maggio, a cura di Silvano Bicocchi; alle 16:15 “I sentimenti dell’acqua”,talk con la visual artist milanese elsa lamartina, a cura di Loredana De Pace; alle 17 “Sangue Muto” di Anna Campanini, dove interverranno Paolo Barbaro e Laura Manione.Infine alle 18  Premio Read-Zine e Premio Portfolio Italia / Maria Luigia.

Nei giorni del festival sarà attivo il Bookshop a cura di “SQUARE Books” con libri e fanzine fotografiche.Per il programma completo del ColornoPhotoLife 2022 si consiglia di visitare il sito del festival www.colornophotolife.it costantemente aggiornato.

19 Ottobre 2022 – 23 Ottobre 2022

Milano, Museo della Permanente

AMART. Torniamo all’antico e sarà un progresso

Quarta edizione per AMART, l’unica mostra dedicata all’Antiquariato nella Milano capitale del design, è organizzata dall’Associazione Antiquari Milanesi in collaborazione con Promo.Ter Unione.
Dal 19 al 23 ottobre, presso il Museo della Permanente, gioiello neoclassico nel cuore di Milano, saranno accolte 67 gallerie provenienti da tutta Italia, selezionate per l’elevata proposta che comprende dipinti, disegni, sculture, mobili, preziosi, argenti, tappeti e molto altro.

“Torniamo all’antico e sarà un progresso ” la celebre frase di Giuseppe Verdi è il motto che anima la quarta edizione di AMART. La mostra si riallaccia infatti alla grande tradizione dell’antiquariato e del collezionismo milanese ma guarda anche al contemporaneo, in particolare all’architettura e al design come fonte di ispirazione e destinatari della propria proposta artistica.
AMART ha infatti affidato il nuovo allestimento dell’edizione 2022 all’architetto Michele Piva, al quale si sono rivolti molti musei per il proprio restyling – fra i quali il museo Diocesano a Milano e l’Ala Ponzone di Cremona. Specializzato in museografia e formatosi nello studio Albini-Helg-Piva, è considerato uno tra i massimi esperti del settore.
Mentre Presidente della giuria del premio “miglior allestimento stand” sarà Clara Bona, giornalista, architetto e interior design affermata a livello internazionale che da tempo esporta il gusto milanese, curato e moderno, in giro per il mondo. Coadiuvata dalla nota giornalista di settore Laura Ragazzola, a sua volta architetto, incoraggeranno ulteriormente gli antiquari a valorizzare gli spazi espositivi.

Non è un caso che l’idea di una mostra dell’antiquariato a Milano, pensata per un pubblico più giovane e internazionale, in dialogo con la nuova metropoli europea, sia venuta nel 2018 a un grande dell’antiquariato italiano: Domenico Piva, allora presidente dell’associazione antiquari milanesi. Piva che ben conosceva il Genius loci della città, sapeva perfettamente che a Milano antiquariato e modernità, ossia la tradizione artistica, la cultura del saper fare, la visione della modernità degli architetti del dopoguerra e la cultura industriale, dopo essersi scambiati conoscenze lungo tutto il Novecento, avrebbero continuato questo dialogo. Questa stessa convinzione guida anche il nuovo comitato direttivo dell’associazione antiquari milanesi ora al lavoro nell’organizzare la nuova edizione di AMART.
Tra le novità messe in campo dal nuovo comitato direttivo anche il rafforzamento della commissione di vetting di cui viene appunto aumentato il numero di esperti con l’integrazione di storici e restauratori di valore e accreditati a livello nazionale che vaglieranno tutte gli oggetti proposti in vendita dalle gallerie, una sicurezza in più per il collezionista in aggiunta all’expertise del singolo antiquario.

Una mostra però non solo milanese, perché vi prendono parte antiquari di tutta Italia.
Questi i nomi della prossima edizione:

ANTICHITA’ ALL’ORATORIO
AJASSA
ALLEMANDI FINE ART
ALTOMANI & SONS
ARCUTI FINE ART
ARS ANTIQUA
GIOVANNI ASIOLI MARTINI ANTIQUARIATO
GALLERIA DANIELA BALZARETTI
BOTTEGANTICA
BRUN FINE ART
CALLEA ANTICHITA’
GALLERIA CANESSO
FRANCESCO CANNUCCIARI
GALLERIA MIRCO CATTAI
ATTILIO CECCHETTO ANTIQUARIO
GALLERIA D’ARTE CESARO
ALESSANDRO CESATI
GALLERIA D’ORLANE
DALTON SOMARE’
DAME E CAVALIERI
DENISE E BEPPE BERNA
DI MANO IN MANO FINE ARTS
LES GALERIES DU LUXEMBOURG
E.L.A. ANTICHITA’
ENRICO GALLERIE D’ARTE
ETHNOARTE
G.N. ANTICHITA’
GHILLI ANTICHITA’
GALLERIA GIAMBLANCO
ANTICHITA’ GIGLIO
INOPERA ITALIAN ARTS
KARMA PEARLS
LA PENDULERIE
ANTICHITA’ LA PIEVE
LONGARI arte MILANO
LUCAS MILANO
GALLERIA D’ARTE MAINETTI
GALLERIE MASPES
MASTROMAURO ARTE GIAPPONESE
MATTA ANTICHITA’
MEARINI FINE ART
MAURIZIO NOBILE FINE ART
ANTICHITA’ DI ALESSIO NOBILI
NUOVA ARCADIA
ORO INCENSO E MIRRA
ORSINI ARTE E LIBRI
ART STUDIO PEDRAZZINI
RAFFAELLO PERNICI – BEST CERAMICS
PHIDIAS ANTIQUES
GIOIELLERIA PICCOLO
PIVA & C.
R.V. ART GALLERY STUDIO
ROMIGIOLI ANTICHITA’
SALAMON
SALAMON FINE ART
GALLERIA D’ARTE SAN BARNABA
ANTICHITA’ SANTA GIULIA
GALLERIA SILVA
SOCIETA’ DI BELLE ARTI
GIAN ENZO SPERONE
STUDIOLO FINE ART
SUBERT
TOMMASO TOMASI “LE DUE TORRI”
TOP TIME MUSA
TORNABUONI ARTE
UMBRIA ARTIS
VERDINI ANTIQUES

Per questa quarta edizione di AMART, l’Associazione Antiquari Milanesi rafforza la collaborazione con il Museo Bagatti Valsecchi, la casa museo milanese situata nel cuore del quadrilatero della moda, lanciando l’iniziativa “togli un cerotto” (dove il cerotto è la carta giapponese usata durante le operazioni di restauro per evitare perdite della superficie pittorica del dipinto). Una delle opere conservate nel museo, il significativo polittico di Giovanni Pietro Brentani, Madonna con il Bambino tra i santi Bernardino, Pietro martire, Pietro Apostolo, Giovanni Battista, della seconda metà del XV secolo, che necessita di un accurato restauro, sarà destinatario di una donazione da parte degli espositori di AMART cui si aggiungerà quella del gruppo giovani dell’associazione attraverso un crowdfunding su GoFundMe.

Un’altra casa museo è accanto ad AMART, dalla sua prima edizione, nella curatela di progetti espositivi collaterali alla fiera: il Museo Poldi Pezzoli, tra i più famosi e raffinati esempi di collezionismo del XIX secolo. Dal palazzo delle meraviglie di via Manzoni arriveranno alla Permanente straordinarie opere islamiche di metallo del XVI secolo delle quali AMART ha scelto si sostenere il restauro in occasione dei 200 anni della nascita del fondatore Gian Giacomo Poldi Pezzoli.

15 Ottobre 2022 – 08 Gennaio 2023

Reggio Emilia, Palazzo da Mosto

ITALIA IN-ATTESA. 12 racconti fotografici

A cura di Margherita Guccione e Carlo Birrozzi

Tra cronaca di un recente passato e attualità, “Italia in-attesa. 12 racconti fotografici”, dal 15 ottobre all’8 gennaio a Palazzo da Mosto a Reggio Emilia, narra di un’Italia sospesa, interdetta, trasformata da un’occasione eccezionale e – auspicabilmente – irripetibile, il primo lockdown causato dal Covid: un tempo diverso dove anche lo spazio, l’architettura e l’ambiente diventano “altro” quando l’uomo non li abita. Un racconto che si sviluppa attraverso le visioni e la sensibilità di altrettanti grandi fotografi: Olivo Barbieri, Antonio Biasiucci, Silvia Camporesi, Mario Cresci, Paola De Pietri, Ilaria Ferretti, Guido Guidi, Andrea Jemolo, Francesco Jodice, Allegra Martin, Walter Niedermayr e George Tatge.

La mostra, a cura di Margherita Guccione e Carlo Birrozzi, è promossa da Ministero della Cultura, Direzione Generale Creatività Contemporanea, Istituto Centrale per il Catalogo e la Documentazione e Fondazione Palazzo Magnani, in collaborazione con Fondazione Maxxi.

In uno scenario unico, silenzioso, quasi irreale, i racconti fotografici narrano storie di un mondo stra-ordinario, sono sequenze di visioni inattese e innaturali che mescolano luoghi del patrimonio culturale italiano e dello spazio intimo e mentale delle autrici e degli autori: paesaggi e piazze, orizzonti e spazi pubblici, opere d’arte e oggetti quotidiani. Lontane dagli stereotipi del Belpaese, queste immagini parlano di paesaggi spaesati che sposano la bellezza sublime con la percezione di una crisi profonda, dove alla natura rigogliosa che riempie progressivamente gli spazi urbani corrisponde il vuoto e l’assenza di vita umana. Sono racconti parziali, soggettivi, che ci introducono a nuovi punti di vista, modificando le consuete poetiche di narrazione dello spazio fisico.

Le artiste e gli artisti coinvolti sono riconosciuti interpreti della fotografia, di generazioni e attitudini diverse, che hanno sviluppato con la loro ricerca una vocazione all’ascolto dei luoghi e del patrimonio collettivo. Per questo motivo il Ministero per i Beni e le Attività Culturali e per il Turismo, tramite la Direzione generale Creatività Contemporanea, ha pensato di chiamarli a riflettere con un progetto incentrato sull’eccezionale condizione dell’Italia nei mesi di marzo-maggio 2020, allo scopo di realizzare, spaziando tra differenti linguaggi e modalità di espressione, un racconto corale e polifonico.

Olivo Barbieri, per questa sua indagine-racconto, sceglie la Camera degli Sposi, macchina visiva d’eccellenza per la sperimentazione innovativa della prospettiva, per condurre la sua riflessione sui meccanismi della percezione e sul sistema della rappresentazione. Guido Guidi, al contrario, si rivolge al paesaggio minimo della quotidianità: conferendo pari valore al monumentale e all‘ordinario, Guidi restituisce al nostro sguardo particolari trascurabili della realtà caricandoli di rinnovato senso e levità.
Una medesima attenzione al paesaggio d’affezione è testimoniata dalle fotografie di Silvia Camporesi, che sceglie di ritrarre i luoghi della sua infanzia: liberati dallo scorrere della vita quotidiana, questi sembrano svelare ora la propria essenza. In un’atmosfera metafisica e straniante sono immersi anche i centri storici umbri ritratti da George Tatge, in cui il silenzio e il senso di vuoto sembrano riflettere lo stato d’animo dell’autore. Sul tema dell’assenza si concentra anche il lavoro di Allegra Martin: luoghi emblematici della cultura milanese, privati improvvisamente dell’azione e dello sguardo del pubblico che abitualmente conferisce loro vita, diventano metafora di una sospensione non solo temporale, ma anche di senso.

A questi progetti fanno da contraltare lavori che non guardano allo spazio esterno, ma a quello interno, spostando la riflessione su un piano astratto e concettuale.
È il caso di Francesco Jodice, che trasferisce il viaggio fisico su un discorso mentale e virtuale, compiendo un reportage attraverso quattro architetture simbolo della cultura italiana storica e contemporanea mediante immagini satellitari, e di Mario Cresci, che rivolge lo sguardo ora al micro-mondo costituito dalla sua casa di Bergamo, ora a quello esterno, rappresentato da una città deserta: il tempo del lockdown forzato offre spazio per giochi della mente, alla ricerca di nuove analogie tra gli oggetti e inconsuete esplorazioni. Le immagini visionarie di Antonio Biasiucci, poi, trasferiscono la riflessione su un piano totalmente simbolico: i ceppi di alberi, ripresi in modo da richiamare forme antropomorfe, sono soggetti archetipici che rimandano alla circolarità del tempo.
La condizione astratta del paesaggio è al centro anche del lavoro di Paola De Pietri: i paesaggi onirici di Rimini e Venezia si echeggiano da due differenti latitudini dell’Adriatico. Le immagini surreali dei paesaggi montani tanto cari a Walter Niedermayr, solitamente popolati e logorati dal turismo di massa, appaiono qui quasi spettrali nell’assenza di presenza umana.

I siti simbolo della città eterna insolitamente deserti, ripresi da Andrea Jemolo, si confrontano con alcuni centri storici danneggiati dal terremoto che ha colpito il Centro Italia del 2016, ritratti da Ilaria Ferretti: luoghi in cui le tracce della vita e del tempo sono ormai affidate solo al movimento delle ombre e alla rassicurante persistenza della natura.

La mostra costituisce così, grazie alla varietà delle interpretazioni, un’analisi visiva dell’impatto antropico sul paesaggio, sulle relazioni tra cultura e natura, architettura e ambiente in alcuni luoghi (sia iconici che non) italiani. L’area del Colosseo rimane la stessa con o senza persone che la vivono? Città turistiche come Rimini e Venezia, che sensazioni restituiscono quando sono completamente deserte? A quasi due anni di distanza, come possiamo “rileggere” quelle immagini? Dovevamo, si diceva, utilizzare quell’esperienza straordinaria e terribile per imparare qualcosa: è stato così?
Queste domande saranno al centro di dialoghi tra fotografi, architetti, urbanisti e paesaggisti lungo un calendario di incontri aperti al pubblico durante il periodo espositivo.

ROME ART WEEK 2022 

La settimana dell’arte contemporanea
 

I PRIMI HIGHLIGHTS DELLA SETTIMA EDIZIONE

Presentata in Campidoglio la settima edizione di Rome Art Week
Dal 24 al 29 ottobre 2022
Roma

Presentata nella Sala della Protomoteca del Campidoglio la settima edizione di Rome Art Week: dal 24 al 29 ottobre 2022 la Capitale si tinge nuovamente di viola mostrandosi al pubblico con un ricco calendario di mostre, open studio, performance, talk, eventi e visite guidate. 

La manifestazione, promossa e organizzata da KOU – Associazione culturale per la promozione delle arti visive, si pone come un sofisticato network che ha l’obiettivo di costruire una rete tra tutti gli operatori del settore e il pubblico. Protagonisti musei, gallerie, spazi espositivi, curatori, artisti, collettivi, associazioni, fondazioni e operatori culturali, uniti in un evento diffuso e “orizzontale” che da sette edizioni sviluppa e sostiene la conoscenza e la diffusione dell’arte a più livelli, sperimentando di anno in anno nuove modalità di fruizione e promozione della cultura contemporanea.

LE PRIME ANTICIPAZIONI DELLA SETTIMA EDIZIONE DI ROME ART WEEK

Rome Art Week 2022 non solo conferma il successo delle passate edizioni ma entra nel panorama culturale capitolino con le sue 730 partecipazioni tra gallerie e spazi istituzionali, artisti e curatori e con gli oltre 360 eventi diffusi in tutta l’area metropolitana (e i numeri sono in costante e continuo aggiornamento). 

E dopo sette anni di presenza costante nel mondo culturale romano, il 2022 vede come principale novità la partnership con l’Assessorato alla Cultura e l’Assessorato ai Grandi Eventi di Roma Capitale e la collaborazione con numerosi Municipi di Roma Capitale, che confermano quanto ormai tale iniziativa sia radicata nel cuore della città e in tutti gli operatori che vi lavorano e promuovono il contemporaneo in tutte le sue declinazioni. Anche la partnership con l’Assessorato al Turismo di Roma Capitale e le rappresentanze degli operatori del settore e strutture alberghiere ha lo scopo di stimolare l’arrivo di turisti nella capitale in occasione della settimana dell’arte contemporanea. 

“L’intera città, dal centro alla periferia, sarà animata da quasi 400 appuntamenti e oltre 700 tra artisti, curatori, operatori culturali, critici, galleristi. Grazie a RAW, Roma sarà per una settimana la capitale dell’arte contemporanea. Con migliaia di appassionati turisti, italiani e stranieri, che avranno un’occasione in più per visitarla. Quest’anno, per la prima volta, con gli organizzatori abbiamo scelto di promuovere l’appuntamento nelle strutture alberghiere e di coinvolgere le attività commerciali per ospitare eventi e presentazioni. Un nuovo modello di comunicazione per diffondere il calendario delle iniziative, alle quali il pubblico potrà partecipare in forma totalmente gratuita e scegliendo tra mostre, conferenze, percorsi e visite guidate tra gallerie e atelier degli artisti. Un’occasione per ‘contaminare’ davvero la città con la bellezza dell’arte contemporanea e per diffonderne la conoscenza e la diffusione più livelli, sperimentando nuove modalità di fruizione”. Lo ha detto l’assessore capitolino al Turismo, Grandi Eventi, Moda e Sport, Alessandro Onorato, intervenuto alla conferenza stampa insieme a Maya Vetri, assessora Politiche Culturali, Politiche dell’Intercultura, Politiche di Genere, Partecipazione, Beni Comuni, Memoria del Municipio VIII – Roma Capitale. 

Ogni rione ed ogni quartiere della Città eterna sarà, dunque, animato da una molteplicità di iniziative alle quali il pubblico potrà partecipare in forma totalmente gratuita e scegliendo tra eventi, mostre e appuntamenti, percorsi e visite guidate anche attraverso la piattaforma www.romeartweek.com, un vero e proprio portale attivo tutto l’anno che giorno per giorno segnalerà le inaugurazioni, gli eventi menzionati dai “punti di vista” -curatori e critici che evidenzieranno le eccellenze della manifestazione-, nonché gli open studio che daranno la possibilità di “toccare con mano” il lavoro degli artisti, visitando gli studi dove l’arte si crea e si genera, o entrare nell’articolata esperienza dei collettivi di artisti, ben 7 quest’anno, che sperimentano un modo collaborativo di presentare le proprie ricerche. 

La settima edizione di RAW continua ed amplifica il percorso iniziato lo scorso anno con le più importanti realtà internazionali che hanno scelto la cornice di Rome Art Week per presentare al pubblico le loro attività: tra queste l’Accademia di Ungheria, la Casa Argentina, il Forum Austriaco di Cultura, l’Istituto Bulgaro, l’Institut Français, il Goethe Institut, l’American Academy in Rome, la Temple University. 

Anche quest’anno si riconferma la collaborazione tra Rome Art Week e il Miami New Media Festival, giunto alla sua 17ª edizione, con la partecipazione speciale del Centro di Studi Americani: infatti, i video selezionati sul tema “Civility vs Violence: Education, Art and Community as a Way to Embrace Nonviolence” saranno mostrati in occasione dell’evento del Miami New Media Festival che si terrà presso il Centro di Studi Americani il 25 ottobre 2022, dalle 15:00 alle 17:00. Le opere verranno poi presentate a Miami e nelle altre tappe mondiali del festival, oltre alla presenza virtuale su YouTube, Facebook, Twitter e Instagram.

Rome Art Week si avvale del patrocinio di: Regione Lazio, Roma Capitale Assessorato alla Cultura, Sapienza Università di Roma, Unione Internazionale degli Istituti di Archeologia Storia e Storia dell’arte in Roma, CIU Confederazione Italiana Unione delle professioni Intellettuali; del sostegno di: Roma Capitale Assessorato ai Grandi Eventi, Sport, Turismo e Moda. Partner: Menexa, Miami New Media Festival. Media partner: Ezine, Dimensione Suono Soft. 

Le news e gli elenchi dei partecipanti sono in costante aggiornamento e disponibili su www.romeartweek.com 

Mostra Video Fotografica

TENSIONE
Vivi per l’arte 2022
Direzione artistica Patrizia Genovesi 

Opere di Manuele Artibani, Marika Grossi, Giuseppe Palmeri, 
Federica Sarto, Margherita Segatta, Valerio Tamburrino, Fabio Vasco

Inaugurazione domenica 23 ottobre 2022 ore 17.00

Open Studio Patrizia Genovesi

Via di Villa Belardi 18 – Roma

Domenica 23 ottobre 2022 alle ore 17.00, per Rome Art Week la settimana dell’arte contemporanea, inaugura, negli spazi di Open Studio Patrizia Genovesi, il progetto video fotografico Tensione, con la direzione artistica di Patrizia Genovesi e le opere di Manuele Artibani, Marika Grossi, Giuseppe Palmeri, Federica Sarto, Margherita Segatta, Valerio Tamburrino, Fabio Vasco. 

Tensione è un progetto collettivo che nasce da un’esperienza, da un desiderio, da un’idea comune che vede ogni fotografo e ogni video artist impegnato intorno ad un tema. Un progetto collettivo richiede un processo: si oppone all’idea che la fotografia o il video siano semplicemente “uno scatto e via”, che si diffonde con l’uso pervasivo di internet e di strumenti che sembrano semplificare la produzione di immagini significative. È in antitesi rispetto alla bulimia imperante nella visione delle immagini, che si riflette nel gergo comune degli “operatori” della comunicazione dove non si parla più di guardare o osservare le fotografie e i video ma di “consumare un contenuto”, come fosse qualcosa che si ingurgita e si digerisce rapidamente. Decidere di scattare intorno ad un tema, ma anche di esporre con altri richiede innanzitutto la comprensione e l’accettazione del tema e in seguito la decisione di dedicare tempo ed energie alla pianificazione dello scatto e della ripresa ed alla selezione delle immagini significative. L’artista deve mobilitare le sue abilità nel processo di stampa e di editing, pianificazione visiva della mostra, scrittura dei testi, comunicazione, follow up, preparazione dei materiali a supporto per la diffusione e così via. L’esposizione al pubblico è esposizione al giudizio altrui, al confronto con l’esperienza e il gusto di un osservatore esterno. Partecipare ad un’esposizione collettiva implica che opere siano esposte a fianco di altre, definisce uno spazio, chiede sforzo di sintesi e confronto con la visione degli altri; smorza l’egocentrismo e apre al confronto.

“La tensione genera movimento, ma talvolta porta alla paralisi. Può attivare le nostre energie e farci sentire motivati, capaci, in connessione con il mondo, oppure diminuire la nostra capacità di reazione, renderci rigidi, fragili, immobili. Il termine tensione definisce due stati opposti: andare verso qualcosa con entusiasmo curiosità e passione o al contrario temere qualcosa della quale non abbiamo controllo o i cui confini ci sfuggono.”

Gli artisti hanno indagato nella loro esperienza questi due stati rappresentandoli in modo personale per raccontare storie ed emozioni che stanno loro profondamente a cuore.

I temi della mostra e i volti della Tensione sono: paura, luce, movimento. 

Paura. La paura genera tensione. A volte è paura di qualcosa della quale abbiamo esperienza, a volte è paura della paura stessa, oppure dell’ignoto. Capita anche che la nostra mente crei situazioni immaginarie che, proprio perché non sono tangibili, assumono forme inaspettate e minacciose che non ci danno modo di combatterle con armi concrete. Dare una forma a questi timori, in un certo senso “oggettivarli”, può aiutarci a contrastarli. Nel progetto si indaga il concetto di paura, di fobia e di mostro, termini spesso generici nei quali ciascuno ha la possibilità di trovare riferimenti concreti alla propria esperienza.

Luce. La passione per la luce è alla base dell’interesse di molti fotografi per le immagini. La luce modifica radicalmente la sensazione che abbiamo della realtà visibile. La luce è colore, tridimensionalità, costituisce un’attrazione per l’occhio e per la mente. Molti artisti vivono per la luce, studiano la luce, fanno della luce il centro dei loro scatti e il motivo delle loro composizioni. Questo tipo di tensione motiva l’artista, lo incuriosisce, diventa materia per la sua sperimentazione. 

Lo sguardo del fotografo che ama la luce restituisce un’immagine non ordinaria della natura.

Movimento. Movimento e dinamismo sono due termini fortemente legati alla parola tensione. Nella danza il corpo modifica il suo stato interagendo con lo spazio, scandisce il ritmo, attiva la mente, finalizza i gesti. Il rapporto tra la mente e il corpo configura il nostro essere nel mondo.

Racconto. Alla regia si arriva attraverso tante strade, alla base c’è una spinta, una “tensione” il desiderio di portare una vicenda alla luce, sottrarla al tempo o a volte all’oscurità della dimenticanza, oppure inventarla totalmente, ma regalare sempre e comunque ad un pubblico un’emozione. Non si nasce registi, lo si diventa obbedendo all’urgenza di raccontare. Il racconto nasce ancora prima della scrittura, dà un’identità ai popoli, lega il passato al presente e al futuro.

Per partecipare all’opening accreditarsi a stampa.controcanto@gmail.com. I testi in catalogo sono di Patrizia Genovesi; il catalogo online sarà disponibile dopo la chiusura di Rome Art Week e comprenderà anche i testi degli artisti che saranno visibili durante la mostra.